През 17 век е въведено разделение на жанровете в живописта на „високи“ и „ниски“. Първият включва исторически, бойни и митологични жанрове. Вторият включва светски жанрове на живописта от Ежедневието, например битов жанр, натюрморт, анималистична живопис, портрет, голо тяло, пейзаж.
Исторически жанр
Историческият жанр в живописта не изобразява специфичен артикулили човек, а конкретен момент или събитие, случило се в историята на минали епохи. Включва се в осн жанрове на живопистав изкуството. Портретът, битката, ежедневието и митологичните жанрове често са тясно преплетени с историческия.
"Завладяването на Сибир от Ермак" (1891-1895)
Василий Суриков
Художниците Никола Пусен, Тинторето, Йожен Делакроа, Питър Рубенс, Василий Иванович Суриков, Борис Михайлович Кустодиев и много други рисуват своите картини в историческия жанр.
Митологичен жанр
Приказки, древни легенди и митове, фолклор - изобразяването на тези теми, герои и събития е намерило своето място в митологичния жанр на живописта. Може би може да се различи в картините на всеки народ, защото историята на всяка етническа група е пълна с легенди и традиции. Например, такъв сюжет от гръцката митология като тайната романтика на бога на войната Арес и богинята на красотата Афродита е изобразен в картината „Парнас“ на италиански художник на име Андреа Мантеня.
"Парнас" (1497)
Андреа Мантеня
Митологията в живописта окончателно се формира през Ренесанса. Представители на този жанр, освен Андреа Мантеня, са Рафаел Санти, Джорджоне, Лукас Кранах, Сандро Ботичели, Виктор Михайлович Васнецов и др.
Боен жанр
Баталната живопис описва сцени от военния живот. Най-често се илюстрират различни военни кампании, както и морски и сухопътни битки. И тъй като тези битки често се вземат от истинска история, то баталните и историческите жанрове намират своята пресечна точка тук.
Фрагмент от панорамата „Битката при Бородино“ (1912 г.)
Франц Рубо
Баталната живопис се оформя през италианския Ренесанс в творбите на художниците Микеланджело Буонароти, Леонардо да Винчи, а след това Теодор Жерико, Франсиско Гоя, Франц Алексеевич Рубо, Митрофан Борисович Греков и много други художници.
Всекидневен жанр
Сцени от ежедневието, социални или поверителностобикновените хора, било то градски или селски живот, са изобразени в битовия жанр в живописта. Като много други жанрове на живопистаежедневните картини рядко се срещат в своя собствена форма, ставайки част от жанра на портрета или пейзажа.
„Продавач музикални инструменти"(1652)
Карел Фабрициус
Произходът на ежедневната живопис се появява през 10 век на Изток и се премества в Европа и Русия едва през 17-18 век. Ян Вермеер, Карел Фабрициус и Габриел Мецу, Михаил Шибанов и Иван Алексеевич Ерменев са най-известните художници на битовата живопис от този период.
Анималистичен жанр
Основните обекти на анималистичния жанр са животни и птици, както диви, така и домашни, и като цяло всички представители на животинския свят. Първоначално рисуването на животни е част от жанровете на китайската живопис, тъй като за първи път се появява в Китай през 8 век. В Европа живописта с животни се формира едва през Ренесанса - животните по това време са изобразявани като въплъщение на човешките пороци и добродетели.
"Коне на поляната" (1649)
Паулус Потър
Антонио Пизанело, Паулус Потър, Албрехт Дюрер, Франс Снайдерс, Алберт Кейп са основните представители на анималистичната живопис в изящни изкуства.
Натюрморт
Жанрът натюрморт изобразява предмети, които заобикалят човек в живота. Това са неодушевени предмети, обединени в една група. Такива предмети могат да принадлежат към един и същ род (например на снимката са изобразени само плодове) или да са различни (плодове, прибори, музикални инструменти, цветя и др.).
„Цветя в кошница, пеперуда и водно конче“ (1614)
Амброзиус Бошарт Стари
Натюрмортът като самостоятелен жанр се оформя през 17 век. Особено се отличават фламандската и холандската школи за натюрморт. Представители на голямо разнообразие от стилове рисуваха своите картини в този жанр, от реализъм до кубизъм. Някои от най-известните натюрморти са рисувани от художниците Амброзиус Босхарт Стари, Албертус Йона Бранд, Пол Сезан, Винсент Ван Гог, Пиер Огюст Реноар, Вилем Клаес Хеда.
Портрет
Портретът е жанр в живописта, който е един от най-разпространените в изобразителното изкуство. Целта на портрета в живописта е да изобрази човек, но не само него външен вид, а също така предават вътрешните чувства и настроението на изобразения човек.
Портретите могат да бъдат единични, двойки, групови, както и автопортрет, който понякога се обособява като отделен жанр. И може би най-известният портрет на всички времена е картината на Леонардо да Винчи, наречена „Портрет на мадам Лиза дел Джокондо“, известна на всички като „Мона Лиза“.
"Мона Лиза" (1503-1506)
Леонардо да Винчи
Първите портрети се появяват преди хиляди години в Древен Египет - това са изображения на фараони. Оттогава повечето артисти на всички времена са се пробвали в този жанр по един или друг начин. Портретът и историческите жанрове на живописта също могат да се пресичат: изобразяването на велик историческа личностще се счита за произведение от исторически жанр, въпреки че в същото време ще предаде външния вид и характера на този човек като портрет.
гола
Целта на жанра голо тяло е да изобрази голото човешко тяло. Периодът на Ренесанса се счита за момент на възникване и развитие на този вид живопис, като основен обект на рисуване тогава най-често става женското тяло, олицетворяващо красотата на епохата.
"Селски концерт" (1510)
Тициан
Тициан, Амедео Модилиани, Антонио да Кореджо, Джорджоне, Пабло Пикасо са най-известните художници, рисували голи картини.
Пейзажи
Основната тема на пейзажния жанр е природата, заобикаляща среда- град, провинция или пустиня. Първите пейзажи се появяват в древни времена при рисуване на дворци и храмове, създаване на миниатюри и икони. Пейзажът започва да се обособява като самостоятелен жанр през 16 век и оттогава се превръща в един от най-популярните жанрове. жанрове на живописта.
Присъства в творчеството на много художници, като се започне от Питър Рубенс, Алексей Кондратиевич Саврасов, Едуард Мане, продължи се с Исак Илич Левитан, Пит Мондриан, Пабло Пикасо, Жорж Брак и се стигне до много съвременни художници на 21 век.
"Златна есен" (1895)
Исак Левитан
Сред пейзажните картини могат да се разграничат такива жанрове като морски и градски пейзажи.
Ведута
Ведута е пейзаж, чиято цел е да изобрази облика на една градска зона и да предаде нейната красота и колорит. По-късно, с развитието на индустрията, градският пейзаж се превръща в индустриален пейзаж.
"Площад Сан Марко" (1730)
Каналето
Можете да оцените градските пейзажи, като се запознаете с произведенията на Каналето, Питер Брьогел, Фьодор Яковлевич Алексеев, Силвестър Феодосиевич Шчедрин.
Марина
Морски пейзаж или яхтено пристанище изобразява природата на морския елемент, неговото величие. Най-известният маринист в света е може би Иван Константинович Айвазовски, чиято картина „Деветата вълна“ може да се нарече шедьовър на руската живопис. Разцветът на яхтеното пристанище настъпва едновременно с развитието на ландшафта като такъв.
"Платоходка в буря" (1886)
Джеймс Бътърсуърт
Кацушика Хокусай, Джеймс Едуард Бътърсуърт, Алексей Петрович Боголюбов, Лев Феликсович Лагорио и Рафаел Монлеон Торес също са известни със своите морски пейзажи.
Ако искате да научите още повече за това как са се появили и развили живописните жанрове в изкуството, гледайте следното видео:
Вземете го за себе си и кажете на приятелите си!
Прочетете също на нашия уебсайт:
Покажи повече
Тези картини са запечатани в съзнанието на всеки руснак. Те са познати на всеки от нас от детството. Те са неразделна част от руската култура. И поне поради тази причина заслужават да знаем малко повече за тях.
Нека да разгледаме списъка с най-забележителните картини на руски художници. И най-важното, нека разберем защо са толкова възхитени.
И за да не скучаем, ще разводним важни знания интересни факти. Нека разберем как Александър Иванов искаше да надмине Карл Брюлов. И Иля Репин унищожи своите „Шлепове“ заради критиките на Иван Шишкин.
1. „Последният ден на Помпей” от Брюлов (1833)
Карл Брюлов. Последният ден на Помпей. 1833 Държавен руски музей. Без преувеличение знаем за трагедията на Помпей преди всичко благодарение на Карл Брюлов (1799-1852). Преди време той нашумя и в Италия, и в Русия със своя шедьовър. И всичко това, защото той намери невероятен баланс между истина и измислица.
Брюлов изобразява истинска улица. И дори някои от героите са реални хора. Брюлов видя останките им по време на разкопки.
Но художникът показа това бедствие като невероятно... красиво. Каквато тя, разбира се, не беше в действителност.
Оказва се, че зрителят симпатизира на тези хора. Но не се ужасява от ужасните подробности. Нещастниците на Брюллов са божествено красиви дори миг преди смъртта.
Никой не може да надмине "Последният ден на Помпей" по популярност сред неговите съвременници. Художникът беше носен на ръце: в крайна сметка той раздели историята на руската живопис на „преди и след“. Оттогава, от 1833 г., целият свят говори за руското изкуство.
2. „Деветата вълна” от Айвазовски (1850)
Иван Айвазовски. Деветата вълна. 1850 г. Руски музей, Санкт Петербург. Карл Брюлов каза, че усетил сол на устните си, когато гледал „Деветата вълна“ на Иван Айвазовски (1817-1900). Реалистично не е точната дума. Но не е толкова просто.
Вълновите престилки НЕ се срещат в открито море. Завоите на вълните се образуват само близо до брега. Следователно сърфистите няма какво да правят в открито море.
Иван Айвазовски използва този трик, за да направи бунта на природата... по-зрелищен. В крайна сметка, като Брюлов, той беше романтик и пееше величието на стихиите.
Деветата вълна имаше всички шансове да се превърне в шедьовър. Айвазовски е единственият руски маринист по това време. В същото време той работеше невероятно умело. Нещо повече, той показа сърцераздирателната трагедия на моряците.
3. „Явяването на Христос пред народа” от Иванов (1857)
Александър Иванов. Явяването на Христос пред хората. 1837-1857 Третяковска галерия. Александър Иванов (1806-1858) много искаше да засенчи Брюлов със своя Помпей. Взех платно 2 пъти по-голямо. И той работи 4 пъти повече (20 години срещу пет на Брюлов).
Но нещо се обърка. Никой не носеше Иванов на ръце (въпреки че той се надяваше). Триумфът не се състоя.
Публиката не оцени редицата от 35 герои в многоцветни туники. Освен това картината е трудна за „разчитане“: в крайна сметка всеки от тези герои има своя собствена реакция към първото появяване на Христос! Някой е щастлив. Някои се съмняват, че това е „Божият Агнец“. И някой се ядосва, защото се е появил нов конкурент.
Да, във филма няма зрелищен бунт на елементите, като Брюллов и Айвазовски. И няма причина да съчувстваме на трагичната съдба на главните герои.
Но публиката беше свикнала със специални ефекти, така че не беше впечатлена. Е, в днешно време холивудските блокбъстъри също са по-популярни от авторските филми.
Но всъщност Иванов еднолично извършва революция в руската живопис. Преходът от театрални и помпозни истории към преживявания обикновените хора.
И руските реалисти (Репин, Крамской, Саврасов и други) станаха това, което ги познаваме, само благодарение на живописните подвизи на Иванов.
4. „Градовете пристигнаха” от Саврасов (1871)
Алексей Саврасов. Топовете пристигнаха. 1871 Държавна Третяковска галерия, Москва. Алексей Саврасов (1830-1897), подобно на Александър Иванов, прави революция. Но по-тясно специализирани. В ландшафтната зона.
Именно с произведението „Градовете пристигнаха“ започна ерата на пейзажа на настроението.
Картината има един парадокс.
От една страна пейзажът... е скучен и монохромен. Какво друго можете да очаквате от края на март, особено в зле поддържаната руска пустош? Тук е наистина киша, сив цвяти износването са гарантирани.
Но някак вълшебно всичко това ни изглежда сладко и искрено. Тайната е в финото насочване на зрителя към приятните емоции.
В крайна сметка художникът избра много интересен момент: все още е студено, но топлината предстои. Харесва ни това усещане за предстояща промяна към по-добро.
Оттук и приятните усещания, привидно без причина. Едва се забелязва.
Откакто Саврасов създава своите „Грачи” през 1871 г., почти всички руски пейзажи са точно такива – поетични и сантиментални.
5. „Шлепове на Волга“ от Репин (1870-1873)
Иля Репин. Баржи на Волга. 1870-1873 г Държавен руски музей. „Баржи на Волга“ е основният шедьовър на Иля Репин (1844-1930). Въпреки че художникът го създава, когато няма дори 30 години.
Картината стана особено популярна в съветско време. Такъв сюжет много пасваше на идеологията на потиснатите. Така че го видяхме в учебниците и на кибритените кутии.
Помните ли какво ви казах по-горе за революцията на Александър Иванов? Той е първият в руската живопис, който поставя обикновените хора в редица и ги дарява с различни емоции.
Така Репин научи всички уроци на Иванов. Но той доведе реализма до абсолюта.
Истински шлепове позираха на художника. Ние знаем техните имена и съдби (тоест тези хора са имали късмет: влязоха в историята).
Техен външен видневероятно правдоподобно. Това е точно това, което дрехите стават от носене и ходене през крайбрежния вятър в продължение на много години.
В това отношение Иванов все още беше класик: хитоните на неговите герои са твърде чисти, като на витрина.
Но не само дрипавият вид на бедняците ни кара да им съчувстваме.
Художникът рисува и параход в далечината. Казват, че двигателите вече са измислени и всички се подиграват на хората. Да, руските артисти обичаха да добавят това „О, колко лошо“.
6. „Момиче с праскови” от Серов (1887)
Валентин Серов. Момиче с праскови. 1887 Третяковска галерия, Москва. Валентин Серов (1865-1911) е дори по-млад от Репин, когато създава Момиче с праскови, главният му шедьовър. Той беше на 22 години!
Явно това е особеност на руските художници - те представят основните си творения според младостта си: Брюллов, Репин. И Серов също отива там.
Но сериозно, това, което прави впечатление в тази работа, е нещо съвсем различно. Написано е в стила на. И това беше, когато в Русия не знаеха почти нищо за тази посока на живописта!
Но Серов интуитивно рисува картина с цветни сенки, многоцветни отражения (цветни петна-отражения на едни обекти върху други), видими щрихи.
7. „Сутрин в борова гора” от Шишкин (1889)
Иван Шишкин. Сутрин в борова гора. 1889 Третяковска галерия. Иван Шишкин (1832-1898) може да си позволи да критикува други художници. Така че Иля Репин го получи от него. Той проклина неправилно нарисуваните дървета в картината „Шлепове на Волга“.
Почти всяко значимо произведение на изкуството има мистерия, „двойно дъно“ или тайна история, която искате да разкриете.
Музика на задните части
Йероним Бош, „Градината на земните удоволствия“, 1500-1510.
Фрагмент от част от триптих
Споровете за значенията и скритите значения на най-известната творба на холандския художник не стихват от появата й. Дясното крило на триптиха, озаглавено „Музикален ад“, изобразява грешници, които са измъчвани в подземния свят с помощта на музикални инструменти. Един от тях има музикални ноти, щамповани на задните му части. Студентката от Християнския университет в Оклахома Амелия Хамрик, която изучава картината, превежда нотацията от 16-ти век в модерен обрат и записва „500-годишна песен от ада“.
Гола Мона Лиза
Известната "Джоконда" съществува в две версии: голата версия се нарича "Monna Vanna", тя е нарисувана от малко известния художник Салай, който е бил ученик и гледач на великия Леонардо да Винчи. Много историци на изкуството са сигурни, че именно той е бил моделът за картините на Леонардо „Йоан Кръстител“ и „Бакхус“. Има и версии, че Салай, облечен в женска рокля, служи като образ на самата Мона Лиза.
Старият рибар
През 1902 г. унгарският художник Тивадар Костка Чонтвари рисува картината „Старият рибар“. Изглежда, че в картината няма нищо необичайно, но Тивадар вложи в нея подтекст, който никога не беше разкрит по време на живота на художника.
Малко хора се сетиха да поставят огледало в средата на картината. Във всеки човек може да има както Бог (дясното рамо на Стареца е дублирано), така и Дявола (лявото рамо на Стареца е дублирано).
Имаше ли кит?
Хендрик ван Антонисен, Крайбрежна сцена.
Изглежда като обикновен пейзаж. Лодки, хора на брега и безлюдно море. И само рентгеново изследване показа, че хората се събраха на брега с причина - в оригинала те гледаха трупа на кит, изхвърлен на брега.
Художникът обаче реши, че никой няма да иска да гледа мъртъв кит и пренаписа картината.
Две "Закуски на тревата"
Едуард Мане, "Обяд на тревата", 1863 г.
Клод Моне, "Обяд на тревата", 1865 г.
Художниците Едуард Мане и Клод Моне понякога са объркани - в края на краищата и двамата са били французи, живели са по едно и също време и са работили в стила на импресионизма. Моне дори заимства заглавието на една от най-известните картини на Мане, „Обяд на тревата“, и написва своя собствена „Обяд на тревата“.
Двойници на Тайната вечеря
Леонардо да Винчи, "Тайната вечеря", 1495-1498.
Когато Леонардо да Винчи пише Тайната вечеря, той придава особено значение на две фигури: Христос и Юда. Той прекара много дълго време в търсене на модели за тях. Най-после успява да намери модел за образа на Христос сред младите певци. Леонардо не можа да намери модел за Юда в продължение на три години. Но един ден той се натъкнал на улицата на пияница, който лежал в канавката. Той беше млад мъж, остарял от тежко пиянство. Леонардо го кани в таверна, където веднага започва да рисува Юда от него. Когато пияницата дошъл на себе си, казал на художника, че вече веднъж му е позирал. Беше преди няколко години, когато пееше в църковния хор, Леонардо нарисува Христос от него.
„Нощна стража“ или „Дневна стража“?
Рембранд, "Нощна стража", 1642 г.
Една от най-известните картини на Рембранд, „Представянето на стрелковата рота на капитан Франс Банинг Кок и лейтенант Вилем ван Рютенбург“, висеше в различни стаи около двеста години и беше открита от историците на изкуството едва през 19 век. Тъй като фигурите сякаш се появяват на тъмен фон, той беше наречен „Нощна стража“ и под това име влезе в съкровищницата на световното изкуство.
И едва по време на реставрацията, извършена през 1947 г., се открива, че в залата картината е успяла да се покрие със слой сажди, което нарушава цвета й. След изчистването на оригиналната картина най-накрая беше разкрито, че сцената, представена от Рембранд, всъщност се развива през деня. Позицията на сянката от лявата ръка на капитан Кок показва, че продължителността на действието е не повече от 14 часа.
Преобърната лодка
Анри Матис, "Лодката", 1937 г.
Картината на Анри Матис "Лодката" е изложена в Нюйоркския музей за модерно изкуство през 1961 г. Само след 47 дни някой забеляза, че картината виси с главата надолу. Платното изобразява 10 лилави линии и две сини платна на бял фон. Художникът е нарисувал две платна с причина; второто платно е отражение на първото върху повърхността на водата.
За да не направите грешка в това как трябва да виси картината, трябва да обърнете внимание на детайлите. По-голямото платно трябва да е горната част на картината, а върхът на платното на картината трябва да е към горния десен ъгъл.
Измама в автопортрет
Винсент ван Гог, "Автопортрет с лула", 1889 г.
Има легенди, според които Ван Гог сам си е отрязал ухото. Сега най-надеждната версия е, че Ван Гог е повредил ухото си в малко сбиване с участието на друг художник, Пол Гоген.
Автопортретът е интересен, защото отразява действителността в изкривен вид: художникът е изобразен с превързано дясно ухо, защото е използвал огледало при работа. Всъщност беше засегнато лявото ухо.
Извънземни мечки
Иван Шишкин, "Утро в боровата гора", 1889 г.
Известната картина принадлежи не само на Шишкин. Много художници, които бяха приятели помежду си, често прибягваха до „помощта на приятел“, а Иван Иванович, който рисува пейзажи през целия си живот, се страхуваше, че неговите трогателни мечки няма да се окажат така, както искаше. Затова Шишкин се обърна към своя приятел, анималния художник Константин Савицки.
Савицки рисува може би най-добрите мечки в историята на руската живопис и Третяков нареди името му да бъде измито от платното, тъй като всичко в картината „от концепцията до изпълнението, всичко говори за начина на рисуване, за творческия метод. присъщи на Шишкин”.
Невинната история на "Готика"
Грант Ууд, Американска готика, 1930 г.
Творчеството на Грант Ууд се смята за едно от най-странните и депресиращи в историята на американската живопис. Картината с мрачните баща и дъщеря е изпълнена с детайли, които показват строгостта, пуританството и ретроградността на изобразените хора.
Всъщност художникът не възнамеряваше да изобразява никакви ужаси: по време на пътуване до Айова той забеляза малка къщав готически стил и реши да изобрази тези хора, които според него биха били идеални като жители. Сестрата на Грант и неговият зъболекар са увековечени като героите, от които Айовън е била толкова обидена.
Отмъщението на Салвадор Дали
Картината "Фигура на прозорец" е нарисувана през 1925 г., когато Дали е на 21 години. По това време Гала все още не е навлязла в живота на артиста, а негова муза е сестра му Ана Мария. Отношенията между брат и сестра се влошиха, когато той написа в една от картините „понякога плюя върху портрета на собствената си майка и това ми доставя удоволствие“. Ана Мария не можеше да прости подобно шокиращо поведение.
В книгата си от 1949 г. Салвадор Дали през очите на една сестра тя пише за брат си без никаква похвала. Книгата вбеси Салвадор. Още десетина години след това той гневно си спомняше за нея при всеки удобен случай. И така през 1954 г. се появява картината „Млада дева, която се отдава на греха на содомията с помощта на рогата на собственото си целомъдрие“. Позата на жената, нейните къдрици, пейзажът извън прозореца и цветовата схема на картината ясно отразяват „Фигура на прозореца“. Има версия, че Дали отмъсти на сестра си за нейната книга.
Двулика Даная
Рембранд Харменс ван Рейн, "Даная", 1636 - 1647.
Много тайни на една от най-известните картини на Рембранд бяха разкрити едва през 60-те години на ХХ век, когато платното беше осветено с рентгенови лъчи. Например стрелбата показа, че в ранна версия лицето на принцесата, която влезе в любовна афера със Зевс, е подобно на лицето на Саския, съпругата на художника, която почина през 1642 г. В окончателния вариант на картината тя започва да прилича на лицето на Гертье Диркс, любовницата на Рембранд, с която художникът живее след смъртта на съпругата си.
Жълтата спалня на Ван Гог
Винсент Ван Гог, "Спалня в Арл", 1888 - 1889 г.
През май 1888 г. Ван Гог придобива малко студио в Арл, в южната част на Франция, където бяга от парижки художници и критици, които не го разбират. В една от четирите стаи Винсент обособява спалня. През октомври всичко е готово и той решава да нарисува „Спалнята на Ван Гог в Арл“. За художника цветът и комфортът на стаята бяха много важни: всичко трябваше да предизвиква мисли за релаксация. В същото време картината е проектирана в тревожни жълти тонове.
Изследователите на творчеството на Ван Гог обясняват това с факта, че художникът е взел напръстник, лекарство за епилепсия, което причинява сериозни промени в цветовото възприятие на пациента: цялата заобикаляща реалност е боядисана в зелени и жълти тонове.
Беззъбо съвършенство
Леонардо да Винчи, "Портрет на дама Лиза дел Джокондо", 1503 - 1519 г.
Общоприетото мнение е, че Мона Лиза е съвършенство и нейната усмивка е красива в своята тайнственост. Американският изкуствовед (и зъболекар на непълно работно време) Джоузеф Борковски обаче смята, че съдейки по изражението на лицето й, героинята е загубила много зъби. Докато изучаваше увеличени снимки на шедьовъра, Борковски откри и белези около устата си. „Тя се „усмихва“ така именно заради това, което й се случи“, смята експертът. „Изражението на лицето й е типично за хора, които са загубили предните си зъби.“
Основен фейс контрол
Павел Федотов, „Сватовство на майор“, 1848 г.
Публиката, която за първи път видя картината „Сватовство на майор“, се засмя от сърце: художникът Федотов я изпълни с иронични подробности, разбираеми за публиката от онова време. Например, майорът явно не е запознат с правилата на благородния етикет: той се появи без необходимите букети за булката и нейната майка. А нейните родители търговци облякоха самата булка във вечерна бална рокля, въпреки че беше през деня (всички лампи в стаята бяха изгасени). Момичето очевидно пробва деколтирана рокля за първи път, смущава се и се опитва да избяга в стаята си.
Защо Либърти е гола?
Фердинанд Виктор Йожен Делакроа, "Свобода на барикадите", 1830 г.
Според изкуствоведа Етиен Жули, Делакроа основава лицето на жената на известната парижка революционерка - перачката Ан-Шарлот, която отиде на барикадите след смъртта на брат си от ръцете на кралски войници и уби девет гвардейци. Художникът я изобразява с разголени гърди. Според неговия план това е символ на безстрашие и себеотрицание, както и на триумфа на демокрацията: голите гърди показват, че Либърти, като обикновен човек, не носи корсет.
Неквадратен квадрат
Казимир Малевич, "Черен супрематичен квадрат", 1915 г.
Всъщност „Черен квадрат“ изобщо не е черен и изобщо не е квадрат: никоя от страните на четириъгълника не е успоредна на никоя от другите му страни и на никоя от страните на квадратната рамка, която рамкира картината. А тъмният цвят е резултат от смесването на различни цветове, сред които нямаше черно. Смята се, че това не е небрежност на автора, а принципна позиция, желанието да се създаде динамична, движеща се форма.
Специалисти от Третяковската галерия откриха авторския надпис върху известната картина на Малевич. Надписът гласи: „Битката на черните в тъмната пещера“. Тази фраза се отнася до заглавието на хумористичната картина на френския журналист, писател и художник Алфонс Але „Битката на негрите в тъмна пещера в мъртвата нощ“, която представляваше изцяло черен правоъгълник.
Мелодрама на австрийската Мона Лиза
Густав Климт, "Портрет на Адел Блох-Бауер", 1907 г.
Една от най-значимите картини на Климт изобразява съпругата на австрийския захарен магнат Фердинад Блох-Бауер. Цяла Виена обсъждаше бурния роман между Адел и известния художник. Раненият съпруг искаше да отмъсти на любовниците си, но избра много необичаен метод: той реши да поръча портрет на Адел от Климт и да го принуди да направи стотици скици, докато художникът не започне да повръща от нея.
Блох-Бауер искаше работата да продължи няколко години, за да може гледачката да види как чувствата на Климт избледняват. Той направи щедро предложение на художника, което той не можеше да откаже, и всичко се оказа според сценария на измамения съпруг: работата беше завършена след 4 години, любовниците отдавна бяха охладени един към друг. Адел Блох-Бауер никога не е знаела, че съпругът й е наясно с връзката й с Климт.
Картината, която върна Гоген към живота
Пол Гоген, "Откъде идваме? Кои сме ние? Къде отиваме?", 1897-1898.
Най-известната картина на Гоген има една особеност: тя се „чете“ не отляво надясно, а отдясно наляво, подобно на кабалистичните текстове, от които художникът се интересуваше. В този ред е алегорията на духовното и физически животна човека: от раждането на душата (спящо дете в долния десен ъгъл) до неизбежността на смъртния час (птица с гущер в ноктите си в долния ляв ъгъл).
Картината е рисувана от Гоген в Таити, където художникът няколко пъти е бягал от цивилизацията. Но този път животът на острова не се получи: пълната бедност го доведе до депресия. След като завърши платното, което трябваше да стане негово духовно завещание, Гоген взе кутия с арсен и отиде в планината, за да умре. Той обаче не изчисли дозата и самоубийството се провали. На следващата сутрин той се залюля към колибата си и заспа, а когато се събуди, почувства забравена жажда за живот. И през 1898 г. бизнесът му започва да се подобрява и в работата му започва по-светъл период.
112 поговорки в една снимка
Питер Брьогел Стари, "Холандски поговорки", 1559 г
Питер Брьогел Стари изобразява земя, обитавана от буквални образи на холандски поговорки от онези дни. Картината съдържа приблизително 112 разпознаваеми идиоми. Някои от тях се използват и до днес, като например: „плувай срещу течението“, „бий си главата в стената“, „въоръжен до зъби“ и „голямата риба яде малка риба“.
Други поговорки отразяват човешката глупост.
Субективност на чл
Пол Гоген, "Бретонско село в снега", 1894 г
Картината на Гоген "Бретонско село в снега" беше продадена след смъртта на автора само за седем франка и освен това под името "Ниагарския водопад". Човекът, който организира търга, случайно окачи картината с главата надолу, защото видя водопад в нея.
Скрита снимка
Пабло Пикасо, "Синята стая", 1901 г
През 2008 г. инфрачервено лъчение разкрива, че скрито под Синята стая е друго изображение - портрет на мъж, облечен в костюм с папийонка и подпрял глава на ръката си. „Веднага след като Пикасо го направи нова идея, той хвана четката и я въплъти. Но той не е имал възможността да си купи ново платно всеки път, когато го е посещавала муза“, обяснява възможна причина за това историкът на изкуството Патриша Фаверо.
Неналични мароканци
Зинаида Серебрякова, „Гола“, 1928 г
Един ден Зинаида Серебрякова получи примамливо предложение - да отиде на творческо пътешествие, за да изобрази голи фигури на ориенталски девици. Но се оказа, че е просто невъзможно да се намерят модели по тези места. Преводачът на Зинаида дойде на помощ - той доведе сестрите и годеницата си при нея. Никой преди или след това не е успял да заснеме голи ориенталски жени, които са затворени.
Спонтанно прозрение
Валентин Серов, „Портрет на Николай II в сако“, 1900 г
Дълго време Серов не можеше да нарисува портрет на царя. Когато артистът напълно се отказа, той се извини на Николай. Николай малко се разстрои, седна на масата, протегна ръце пред себе си... И тогава на художника му светна - ето го образът! Прост военен в офицерско яке с ясни и тъжни очи. Този портрет се счита за най-доброто изображение на последния император.
Още една двойка
© Федор Решетников
Известната картина „Отново двойка” е само втората част от художествена трилогия.
Първата част е „Пристигнах на почивка“. Очевидно заможно семейство, зимна ваканция, радостен отличник.
Втората част е „Отново двойка“. Бедно семейство от работническите покрайнини, разгарът на учебната година, унил идиот, който отново получава лоша оценка. В горния ляв ъгъл можете да видите картината „Пристигнах за почивка“.
Третата част е „Повторна проверка”. Селска къща, лято, всички се разхождат, един злонамерен невежа, паднал на годишния изпит, е принуден да седи между четири стени и да се тъпче. В горния ляв ъгъл можете да видите картината „Deuce Again“.
Как се раждат шедьоврите
Джоузеф Търнър, Дъжд, пара и скорост, 1844 г
През 1842 г. г-жа Саймън пътува с влак в Англия. Изведнъж започна силен дъжд. Възрастният господин, който седеше срещу нея, се изправи, отвори прозореца, подаде глава навън и гледаше около десет минути. Неспособна да сдържи любопитството си, жената също отвори прозореца и започна да гледа напред. Година по-късно тя открива картината „Дъжд, пара и скорост“ на изложба в Кралската академия на изкуствата и успява да разпознае в нея същия епизод във влака.
Урок по анатомия от Микеланджело
Микеланджело, "Сътворението на Адам", 1511 г
Двама американски експерти по невроанатомия вярват, че Микеланджело всъщност е оставил някои анатомични илюстрации в една от най-големите си известни произведения. Те вярват, че дясната страна на картината изобразява огромен мозък. Изненадващо, могат да бъдат открити дори сложни компоненти, като малкия мозък, зрителните нерви и хипофизната жлеза. И закачливо зелена лентаидеално съвпада с местоположението на вертебралната артерия.
"Тайната вечеря" от Ван Гог
Винсент Ван Гог, Тераса на кафенето през нощта, 1888 г
Изследователят Джаред Бакстър смята, че картината на Ван Гог „Тераса на кафенето през нощта“ съдържа криптирано посвещение към „Тайната вечеря“ на Леонардо да Винчи. В центъра на картината стои сервитьор с дълга коса и бяла туника, напомняща дрехите на Христос, а около него има точно 12 посетители на кафене. Baxter обръща внимание и на кръста, разположен точно зад сервитьора в бяло.
Образът на паметта на Дали
Салвадор Дали, "Устойчивостта на паметта", 1931 г
Не е тайна, че мислите, които посещаваха Дали по време на създаването на неговите шедьоври, винаги бяха под формата на много реалистични изображения, които художникът след това прехвърли на платно. Така, според самия автор, картината „Устойчивостта на паметта“ е нарисувана в резултат на асоциации, възникнали при вида на топено сирене.
За какво крещи Мунк?
Едвард Мунк, "Викът", 1893 г.
Мунк говори за идеята на една от най-мистериозните картини в световната живопис: „Вървях по пътека с двама приятели - слънцето залязваше - внезапно небето стана кървавочервено, спрях, чувствайки се изтощен, и се облегнах оградата - гледах кръв и пламъци над синкаво-черния фиорд и града - приятелите ми продължиха напред, а аз стоях треперещ от вълнение, усещайки безкрайния писък, пронизващ природата." Но какъв залез може да изплаши толкова много художника?
Има версия, че идеята за "Викът" се ражда на Мунк през 1883 г., когато се случват няколко мощни изригвания на вулкана Кракатау - толкова мощни, че променят температурата на земната атмосфера с един градус. Огромни количества прах и пепел се разпространяват по цялото земно кълбо, достигайки дори до Норвегия. Няколко поредни вечери залезите изглеждаха така, сякаш апокалипсисът е на път да дойде - един от тях стана източник на вдъхновение за художника.
Писател сред народа
Александър Иванов, "Явяването на Христос пред народа", 1837-1857.
Десетки седящи позираха на Александър Иванов за основната му картина. Един от тях е известен не по-малко от самия художник. На заден план, сред пътници и римски конници, които все още не са чули проповедта на Йоан Кръстител, можете да видите герой в туника на роба. Иванов го е написал от Николай Гогол. Писателят общува тясно с художника в Италия, по-специално по религиозни въпроси, и му дава съвети по време на процеса на рисуване. Гогол вярваше, че Иванов „отдавна е умрял за целия свят, освен за работата си“.
Подаграта на Микеланджело
Рафаел Санти, "Атинската школа", 1511 г.
Създавайки известната фреска "Атинското училище", Рафаело увековечава своите приятели и познати в образите на древногръцки философи. Един от тях беше Микеланджело Буонароти „в ролята“ на Хераклит. В продължение на няколко века фреската пази тайните на личния живот на Микеланджело, а съвременните изследователи предполагат, че странно ъгловатото коляно на художника показва, че той е имал ставно заболяване.
Това е доста вероятно, като се имат предвид особеностите на начина на живот и условията на работа на ренесансовите художници и хроничния работохолизъм на Микеланджело.
Огледало на двойката Арнолфини
Ян ван Ейк, "Портрет на двойката Арнолфини", 1434 г
В огледалото зад двойката Арнолфини можете да видите отражението на още двама души в стаята. Най-вероятно това са свидетели, присъстващи при сключването на договора. Един от тях е ван Ейк, както се вижда от латинския надпис, поставен, противно на традицията, над огледалото в центъра на композицията: „Ян ван Ейк беше тук“. Така обикновено се сключвали договорите.
Как един недостатък се превърна в талант
Рембранд Харменс ван Рейн, Автопортрет на 63-годишна възраст, 1669 г.
Изследователят Маргарет Ливингстън изучава всички автопортрети на Рембранд и открива, че художникът страда от страбизъм: на изображенията очите му гледат в различни посоки, което не се наблюдава в портретите на други хора от майстора. Заболяването доведе до това, че художникът можеше да възприема реалността в две измерения по-добре от хората с нормално зрение. Това явление се нарича "стереослепота" - невъзможността да се вижда света в 3D. Но тъй като художникът трябва да работи с двуизмерен образ, точно този недостатък на Рембранд може да бъде едно от обясненията за неговия феноменален талант.
Безгрешна Венера
Сандро Ботичели, "Раждането на Венера", 1482-1486.
Преди появата на „Раждането на Венера“ изображението на голо женско тяло в живописта символизира само идеята за първородния грях. Сандро Ботичели е първият от европейските художници, който не намира нищо греховно в него. Освен това историците на изкуството са сигурни, че езическата богиня на любовта символизира християнски образ във фреската: външният й вид е алегория на прераждането на душа, която е преминала през обреда на кръщението.
Лютнист или лютнист?
Микеланджело Мериси да Караваджо, "Лютнистът", 1596 г.
Дълго време картината беше изложена в Ермитажа под заглавието „Лютнистът“. Едва в началото на 20-ти век историците на изкуството се съгласиха, че картината изобразява млад мъж (вероятно познатият на Караваджо, художникът Марио Минити, позира за него): на нотите пред музиканта можете да видите запис на бас линия от мадригала на Джейкъб Аркаделт „Ти знаеш, че те обичам” . Една жена едва ли би могла да направи такъв избор - просто е трудно за гърлото. Освен това лютнята, подобно на цигулката в самия край на картината, се смяташе за мъжки инструмент в епохата на Караваджо.
Днес представяме на вашето внимание двадесет картини, които са достойни за внимание и признание. Тези картини са рисувани от известни художници и те трябва да бъдат известни не само на тези, които се занимават с изкуство, но и на обикновените смъртни, тъй като изкуството оцветява живота ни, естетиката задълбочава нашия възглед за света. Дайте на изкуството полагащото му се място в живота ви...
1. „Тайната вечеря“. Леонардо да Винчи, 1495 - 1498
Монументална картина на Леонардо да Винчи, изобразяваща сцената на последното хранене на Христос с неговите ученици. Създаден през 1495-1498 г. в доминиканския манастир Санта Мария деле Грацие в Милано.
Картината е поръчана от Леонардо на неговия покровител херцог Лудовико Сфорца и съпругата му Беатрис д'Есте. Люнетите над картината, образувани от таван с три арки, са изрисувани с герба на Сфорца. Картината започва през 1495 г. и е завършена през 1498 г.; работата вървеше с прекъсвания. Датата на началото на работата не е сигурна, тъй като "архивите на манастира са унищожени, а незначителната част от документите, с които разполагаме, датират от 1497 г., когато зографисването е почти завършено".
Картината се превърна в крайъгълен камък в историята на Ренесанса: правилно възпроизведената дълбочина на перспективата промени посоката на развитие на западната живопис.
Смята се, че в тази картина са скрити много тайни и намеци - например има предположение, че образът на Исус и Юда е копиран от един и същ човек. Когато Да Винчи рисува картината, в неговото видение Исус олицетворява доброто, докато Юда е чистото зло. И когато майсторът намери „своя Юда“ (пияница от улицата), се оказа, че според историците този пияница няколко години по-рано е послужил като прототип за рисуването на образа на Исус. По този начин можем да кажем, че тази картина е заснела човек в различни периоди от живота му.
2. „Слънчогледи“. Винсент Ван Гог, 1887 г
Заглавието на два цикъла картини на холандския художник Винсент ван Гог. Първата серия е направена в Париж през 1887 г. Посветена е на лежащи цветя. Втората серия е завършена година по-късно в Арл. Тя изобразява букет слънчогледи във ваза. Приятелят на Ван Гог Пол Гоген се сдобива с две парижки картини.
Художникът рисува слънчогледи единадесет пъти. Първите четири картини са създадени в Париж през август - септември 1887 г. Големи отрязани цветя лежат като някакви странни същества, умиращи пред очите ни.
3. „Деветата вълна“. Иван Константинович Айвазовски?, 1850 г.
Една от най-известните картини на руския маринист Иван Айвазовски се съхранява в Руския музей.
Художникът изобразява море след силна нощна буря и корабокрушенци. Лъчите на слънцето осветяват огромните вълни. Най-големият от тях - деветият вал - е готов да падне върху хората, опитващи се да избягат върху останките на мачтата.
Въпреки факта, че корабът е разрушен и остава само мачтата, хората на мачтата са живи и продължават да се борят със стихията. Топлите цветове на картината правят морето не толкова сурово и дават надежда на зрителя, че хората ще бъдат спасени.
Създадена през 1850 г., картината „Деветата вълна“ веднага става най-известната от всичките му яхтени пристанища и е придобита от Николай I.
4. „Маха гола“. Франсиско Гоя, 1797-1800
Картина на испанския художник Франсиско Гоя, рисувана около 1797-1800 г. Съчетава се с картината „Мая облечена“ (La maja vestida). Картините изобразяват Маха, испанска гражданка от 18-19 век, една от любимите теми на художника. „Голата Мая“ е едно от най-ранните произведения на западното изкуство, което изобразява напълно гола жена без митологични или негативни конотации.
5. „Полетът на влюбените“. Марк Шагал, 1914-1918
Работата по картината „Над града“ започва още през 1914 г., а майсторът нанася последните щрихи едва през 1918 г. През това време Бела се превръща от любовница не само в обожавана съпруга, но и в майка на дъщеря им Ида, превръщайки се завинаги в главната муза на художника. Съюзът на богатата дъщеря на наследствен бижутер и обикновен еврейски младеж, чийто баща си изкарвал прехраната чрез разтоварване на херинга, може да се нарече само мизалианс, но любовта беше по-силна и преодоля всички условности. Именно тази любов ги вдъхнови, издигайки ги до небето.
Карина изобразява едновременно двете любови на Шагал - Бела и Витебск, скъпи на сърцето й. Улиците са представени под формата на къщи, разделени от висока тъмна ограда. Зрителят няма веднага да забележи коза, пасяща вляво от центъра на картината, и обикновен човек със спуснати панталони на преден план - хумор от художника, излизащ от общия контекст и романтично настроение на творбата, но всичко това е Шагал...
6. „Лицето на войната“. Салвадор Дали, 1940 г.
Картина на испанския художник Салвадор Дали, рисувана през 1940 г.
Картината е създадена на път за САЩ. Впечатлен от разиграващата се трагедия в света и кръвожадността на политиците, майсторът започва работа по кораба. Намира се в музея Boijmans-van Beuningen в Ротердам.
Изгубил всяка надежда за нормален живот в Европа, художникът напуска любимия си Париж и отива в Америка. Войната покрива стара светлинаи се стреми да превземе останалия свят. Майсторът все още не знае, че осемгодишният му престой в Новия свят ще го направи наистина известен, а творбите му ще станат шедьоври на световната живопис.
7. "Писък" Едвард Мунк, 1893 г
„Викът“ (на норвежки Skrik) е поредица от картини на норвежкия художник експресионист Едвард Мунк, създадени между 1893 и 1910 г. Те изобразяват крещяща от отчаяние човешка фигура на кървавочервено небе и изключително обобщен пейзажен фон. През 1895 г. Мунк създава литография на същата тема.
Червеното, огнено горещо небе покриваше студения фиорд, който от своя страна ражда фантастична сянка, подобна на някакво морско чудовище. Напрежението е изкривило пространството, линиите са начупени, цветовете са непоследователни, перспективата е унищожена.
Много критици смятат, че сюжетът на картината е плод на болното въображение на психично болен човек. Някои хора виждат в творбата предчувствие за екологична катастрофа, други решават коя мумия е вдъхновила автора да създаде това произведение.
8. „Момичето с перлена обица.“ Ян Вермеер, 1665 г
Картината „Момиче с перлена обица“ (Холандия: „Het meisje met de parel“) е нарисувана около 1665 г. В момента се съхранява в музея Mauritshuis, Хага, Холандия, и е отличителният знак на музея. Картината, наречена Холандската Мона Лиза или Мона Лиза от Севера, е нарисувана в жанра Троние.
Благодарение на филма на Питър Уебър „Момиче с перлена обица“ през 2003 г. огромен брой хора, далеч от рисуването, научиха за прекрасния холандски художник Йоханес Вермеер, както и за най-известната му картина „Момиче с перлена обица“.
9. "Вавилонската кула". Питер Брьогел, 1563 г
Известна картина на художника Питър Брьогел. Художникът създава най-малко две картини на тази тема.
Картината се намира в Kunsthistorisches Museum, Виена.
В Библията има история за това как жителите на Вавилон се опитали да построят висока кула, за да стигнат до небето, но Бог ги накарал да говорят на различни езици, престанали да се разбират и кулата останала недовършена.
10. "Алжирски жени". Пабло Пикасо, 1955 г
„Жените на Алжир“ е поредица от 15 картини, създадени от Пикасо през 1954–1955 г. въз основа на картините на Йожен Делакроа; картините се отличават с буквите, зададени от художника от А до О. „Версия О” е рисувана на 14 февруари 1955 г.; известно време принадлежи на известния американски колекционер на изкуство от 20-ти век Виктор Ганц.
Картината на Пабло Пикасо „Жените на Алжир (Версия O)“ беше продадена за 180 милиона долара.
11. "Нова планета". Константин Юон, 1921 г
Руски съветски художник, майстор на пейзажа, театрален художник, теоретик на изкуството. Академик на Академията на изкуствата на СССР. Народен артист на СССР. Носител на Сталинската награда първа степен. Член на Всесъюзната комунистическа партия от 1951 г.
Тази невероятна картина „Нова планета“, създадена през 1921 г. и изобщо не типична за художника-реалист Юон, е едно от най-ярките произведения, въплъщаващи образа на промените, превърнали се в Октомврийската революция през второто десетилетие на 20 век. Нова система, нов начин и нова картинкамислене за нововъзникващото съветско общество. Какво очаква човечеството сега? Светло бъдеще? Тогава не са мислили за това, но фактът, че Съветска Русия и целият свят навлизат в ера на промяна, е очевиден, както и бързото раждане на нова планета.
12. „Сикстинската Мадона“. Рафаел Санти, 1754 г
Картина на Рафаело, която се намира в галерията на старите майстори в Дрезден от 1754 г. Принадлежи към общопризнатите върхове на Високия Ренесанс.
Картината с огромни размери (265 × 196 см, както е посочен размерът на картината в каталога на Дрезденската галерия), е създадена от Рафаело за олтара на църквата на манастира Св. Сикст в Пиаченца, по поръчка на папата Юлий II. Има хипотеза, че картината е нарисувана през 1512-1513 г. в чест на победата над французите, които нахлуха в Ломбардия по време на италианските войни, и последвалото включване на Пиаченца в папската държава.
13. „Покаялата се Мария Магдалена“. Тициан (Tiziano Vecellio), рисуван около 1565 г
Картина, рисувана около 1565 г. от италианския художник Тициан Вечелио. Принадлежи на Държавния Ермитаж в Санкт Петербург. Понякога датата на създаване е посочена като "1560s".
Модел за картината беше Джулия Фестина, която удиви художника с шеметната си златиста коса. Готовото платно силно впечатлява херцога на Гонзага и той решава да поръча копие от него. По-късно Тициан, променяйки фона и позата на жената, написва още няколко подобни творби.
14. "Мона Лиза". Леонардо да Винчи, 1503-1505
Портрет на г-жа Лиза дел Джокондо, (италиански. Ritratto di Monna Lisa del Giocondo) - картина на Леонардо да Винчи, намираща се в Лувъра (Париж, Франция), едно от най-известните произведения на живописта в света, за което се смята, че е портрет на Лиза Герардини, съпругата на флорентинския търговец на коприна Франческо дел Джокондо, рисувана около 1503-1505 г.
Според една от представените версии "Мона Лиза" е автопортрет на художника.
15. “Сутрин в борова гора”, Шишкин Иван Иванович, 1889г.
Картина на руските художници Иван Шишкин и Константин Савицки. Савицки рисува мечки, но колекционерът Павел Третяков изтрива подписа му, така че авторът на картината често се посочва сам.
Идеята за картината е предложена на Шишкин от Савицки, който по-късно е съавтор и изобразява фигурите на мечките. Тези мечки, с някои разлики в позите и номерата (първоначално бяха две), се появяват в подготвителните рисунки и скици. Савицки преобразува животните толкова добре, че дори подписва картината заедно с Шишкин.
16. „Не го очаквахме.“ Иля Репин, 1884-1888
Картина на руския художник Иля Репин (1844-1930), рисувана през 1884-1888. Част е от колекцията на Държавната Третяковска галерия.
Картината, показана на XII пътуваща изложба, е част от повествователен цикъл, посветен на съдбата на руския революционер-народник.
17. „Бал в Мулен дьо ла Галет“, Пиер Огюст Реноар, 1876 г.
Картина, нарисувана от френския художник Пиер Огюст Реноар през 1876 г.
Мястото, където се намира картината, е Музеят д’Орсе. Moulin de la Galette е евтина таверна в Монмартър, където се събират студенти и работеща младеж от Париж.
18. „Звездна нощ“. Винсент Ван Гог, 1889 г.
De sterrennacht- картина на холандския художник Винсент ван Гог, рисувана през юни 1889 г., с изглед към небето преди зазоряване над измислен град от източния прозорец на дома на художника в Сен Реми дьо Прованс. От 1941 г. се съхранява в Музея за модерно изкуство в Ню Йорк. Считан за един от най-добрите работиВан Гог и едно от най-значимите произведения на западната живопис.
19. „Създаването на Адам“. Микеланджело, 1511 г.
Фреска от Микеланджело, рисувана около 1511 г. Фреската е четвъртата от деветте централни композиции на тавана на Сикстинската капела.
„Създаването на Адам“ е една от най-забележителните композиции на картината на Сикстинската капела. Бог Отец лети в безкрайното пространство, заобиколен от безкрили ангели, с развяваща се бяла туника. Дясната ръка е протегната към ръката на Адам и почти я докосва. Тялото на Адам, лежащо върху зелената скала, постепенно започва да се движи и се събужда за живот. Цялата композиция е концентрирана върху жеста на двете ръце. Ръката на Бог дава импулс, а ръката на Адам го приема, давайки го на цялото тяло жизнена енергия. С факта, че ръцете им не се докосват, Микеланджело подчертава невъзможността за свързване на божественото и човешкото. В образа на Бога, според плана на художника, преобладава не чудодейният принцип, а гигантска творческа енергия. В образа на Адам Микеланджело възпява силата и красотата човешкото тяло. Всъщност това, което се появява пред нас, не е самото сътворение на човека, а моментът, в който той получава душа, страстно търсене на божественото, жажда за познание.
20. „Целувка в звездното небе.“ Густав Климт, 1905-1907
Картина на австрийския художник Густав Климт, рисувана през 1907-1908 г. Платното принадлежи към периода на творчеството на Климт, наречен "златен", последно парчеавторът в неговия “златен период”.
На скала, на ръба на цветна поляна, в златна аура, влюбените стоят напълно потопени един в друг, оградени от целия свят. Поради несигурността на мястото на случващото се, изглежда, че двойката, изобразена на картината, се движи в космическо състояние, което не е подчинено на времето и пространството, от другата страна на всички исторически и социални стереотипи и катаклизми. Пълната самота и обърнатото назад лице на човека само подчертават впечатлението за изолация и откъснатост от наблюдателя.
Източник – Wikipedia, muzei-mira.com, say-hi.me
20 картини, които всеки трябва да знае (история на живописта)актуализиран: 23 ноември 2016 г. от: уебсайт
Величествената и разнообразна руска живопис винаги радва зрителите със своята непостоянство и съвършенство художествени форми. Това е характеристика на произведенията на известни майстори на изкуството. Те винаги ни изненадваха с изключителния си подход към работата, с трепетното си отношение към чувствата и усещанията на всеки човек. Може би затова руските художници толкова често изобразяват портретни композиции, които ярко съчетават емоционални образи и епично спокойни мотиви. Нищо чудно, че Максим Горки веднъж каза, че художникът е сърцето на страната, гласът на цяла епоха. Наистина, величествените и елегантни картини на руски художници ярко предават вдъхновението на своето време. Подобно на стремежите на известния писател Антон Чехов, мнозина се стремят да внесат в руската живопис неповторимия вкус на своя народ, както и неутолимата мечта за красота. Трудно е да се подценят необикновените картини на тези майстори на величественото изкуство, защото под техните четки се раждат наистина необикновени произведения от различни жанрове. Академична живопис, портрет, историческа живопис, пейзаж, произведения на романтизма, модернизма или символизма - всички те все още носят радост и вдъхновение на своите зрители. Всеки намира в тях нещо повече от пъстри цветове, изящни линии и неподражаеми жанрове на световното изкуство. Може би такова изобилие от форми и образи, с които руската живопис изненадва, е свързано с огромния потенциал на заобикалящия свят на художниците. Левитан също каза, че всяка нотка на буйна природа съдържа величествена и необикновена палитра от цветове. С такова начало пред четката на художника се открива великолепна шир. Следователно всички руски картини се отличават с изящна строгост и привлекателна красота, от която е толкова трудно да се откъснете.Руската живопис с право се отличава от световното изкуство. Факт е, че до седемнадесети век руската живопис се свързва изключително с религиозни теми. Ситуацията се промени с идването на власт на царя реформатор Петър Велики. Благодарение на неговите реформи руските майстори започват да се занимават със светска живопис, а иконописът се отделя като отделна посока. Седемнадесети век е времето на такива художници като Симон Ушаков и Йосиф Владимиров. Тогава портретът възниква в света на руското изкуство и бързо става популярен. През осемнадесети век се появяват първите художници, които преминават от портрет към пейзажна живопис. Забелязва се подчертаната симпатия на художниците към зимните панорами. Осемнадесети век беше запомнен и с появата на ежедневната живопис. През деветнадесети век три движения придобиха популярност в Русия: романтизъм, реализъм и класицизъм. Както и преди, руските художници продължават да се обръщат към портретния жанр. Тогава се появяват световноизвестните портрети и автопортрети на О. Кипренски и В. Тропинин. През втората половина на деветнадесети век художниците все повече изобразяват обикновените руски хора в тяхното потиснато състояние. Реализмът става централно движение в живописта от този период. Тогава се появиха странстващите художници, изобразяващи само реалния, истински живот. Е, двадесети век, разбира се, е авангардът. Художниците от онова време значително повлияха както на своите последователи в Русия, така и в целия свят. Техните картини стават предшественици на абстрактното изкуство. Руската живопис е огромна невероятен святталантливи художници, които прославиха Русия със своите творения
