معروف ترین نقاشی های هنرمندان روسی. مشهورترین هنرمندان روسی نقاشی نقاشی هنرمندان مشهور روسی

در قرن هفدهم، تقسیم ژانرهای نقاشی به "بالا" و "کم" معرفی شد. اولی شامل ژانرهای تاریخی، جنگی و اساطیری بود. دومی شامل ژانرهای معمولی نقاشی از زندگی روزمرهبه عنوان مثال، ژانر روزمره، طبیعت بی جان، نقاشی حیوانات، پرتره، برهنه، منظره.

ژانر تاریخی

ژانر تاریخی در نقاشی به تصویر نمی کشد مورد خاصیا شخص، اما لحظه یا رویداد خاصی که در تاریخ اعصار گذشته رخ داده است. در اصل گنجانده شده است ژانرهای نقاشیدر هنر پرتره، نبرد، ژانرهای روزمره و اسطوره ای اغلب با ژانرهای تاریخی در هم تنیده هستند.

"فتح سیبری توسط ارماک" (1891-1895)
واسیلی سوریکوف

هنرمندان نیکلاس پوسین، تینتورتو، یوجین دلاکروا، پیتر روبنس، واسیلی ایوانوویچ سوریکوف، بوریس میخایلوویچ کوستودیف و بسیاری دیگر نقاشی های خود را در ژانر تاریخی نوشتند.

ژانر اساطیری

قصه ها، افسانه ها و اسطوره های باستانی، فولکلور - به تصویر کشیدن این موضوعات، قهرمانان و رویدادها جای خود را در ژانر اسطوره ای نقاشی باز کرده است. شاید بتوان آن را در نقاشی های هر قومی تشخیص داد، زیرا تاریخ هر قومی پر از افسانه ها و سنت ها است. به عنوان مثال، طرحی از اساطیر یونان مانند عاشقانه مخفیانه خدای جنگ آرس و الهه زیبایی آفرودیت در نقاشی "پارناسوس" توسط یک هنرمند ایتالیایی به نام آندریا مانتنیا به تصویر کشیده شده است.

"پارناسوس" (1497)
آندره آ مانتنیا

اسطوره در نقاشی سرانجام در دوره رنسانس شکل گرفت. نمایندگان این ژانر، علاوه بر آندره آ مانتنیا، رافائل سانتی، جورجیونه، لوکاس کراناخ، ساندرو بوتیچلی، ویکتور میخائیلوویچ واسنتسف و دیگران هستند.

ژانر نبرد

نقاشی نبرد صحنه هایی از زندگی نظامی را توصیف می کند. اغلب، مبارزات نظامی مختلف و همچنین نبردهای دریایی و زمینی به تصویر کشیده می شود. و از آنجایی که این دعواها اغلب از داستان واقعی، سپس ژانرهای نبرد و تاریخی نقطه تلاقی خود را در اینجا پیدا می کنند.

قطعه ای از پانوراما "نبرد بورودینو" (1912)
فرانتس روبا

نقاشی نبرد در دوران رنسانس ایتالیا در آثار هنرمندان میکل آنژ بووناروتی، لئوناردو داوینچی، و سپس تئودور جریکولت، فرانسیسکو گویا، فرانتس آلکسیویچ روبا، میتروفان بوریسویچ گرکوف و بسیاری از نقاشان دیگر شکل گرفت.

ژانر روزمره

صحنه هایی از روزمره، اجتماعی یا حریم خصوصیمردم عادی، چه زندگی شهری و چه دهقانی، در ژانر روزمره در نقاشی به تصویر کشیده شده است. مثل خیلی های دیگر ژانرهای نقاشی، نقاشی های روزمره به ندرت به شکل خاص خود یافت می شوند و بخشی از ژانر پرتره یا منظره می شوند.

"فروشنده آلات موسیقی"(1652)
کارل فابریسیوس

خاستگاه نقاشی روزمره در قرن دهم در شرق رخ داد و تنها در قرن های 17-18 به اروپا و روسیه نقل مکان کرد. یان ورمیر، کارل فابریسیوس و گابریل متسو، میخائیل شیبانوف و ایوان آلکسیویچ ارمنف از مشهورترین هنرمندان نقاشی روزمره در آن دوره هستند.

ژانر حیوانی

اشیاء اصلی ژانر حیوانی حیوانات و پرندگان اعم از وحشی و اهلی و به طور کلی همه نمایندگان دنیای حیوانات هستند. در ابتدا، نقاشی حیوانات بخشی از ژانرهای نقاشی چینی بود، زیرا اولین بار در قرن هشتم در چین ظاهر شد. در اروپا، نقاشی حیوانات تنها در دوران رنسانس شکل گرفت - حیوانات در آن زمان به عنوان تجسم رذایل و فضایل انسانی به تصویر کشیده شدند.

"اسب ها در علفزار" (1649)
پائولوس پاتر

آنتونیو پیسانلو، پائولوس پاتر، آلبرشت دورر، فرانس اسنایدرز، آلبرت کویپ - نمایندگان اصلی نقاشی حیوانات در هنرهای زیبا.

طبیعت بی جان

ژانر بی جان اشیایی را به تصویر می کشد که یک فرد را در زندگی احاطه کرده اند. اینها اجسام بی جان هستند که در یک گروه ترکیب شده اند. چنین اشیایی ممکن است متعلق به یک جنس باشند (مثلاً فقط میوه ها در تصویر نشان داده شده اند) یا ممکن است متفاوت باشند (میوه ها، ظروف، آلات موسیقی، گل ها و غیره).

"گل در یک سبد، پروانه و سنجاقک" (1614)
آمبروسیوس بوشارت بزرگ

طبیعت بی جان به عنوان یک ژانر مستقل در قرن هفدهم شکل گرفت. مدارس طبیعت بی جان فلاندری و هلندی به ویژه متمایز هستند. نمایندگان طیف گسترده ای از سبک ها نقاشی های خود را در این ژانر نقاشی کردند، از رئالیسم تا کوبیسم. برخی از مشهورترین طبیعت‌های بی‌جان توسط نقاشان آمبروسیوس بوشارت بزرگ، آلبرتوس یونا برانت، پل سزان، ونسان ون گوگ، پیر آگوست رنوار، ویلم کلاس هدا نقاشی شده‌اند.

پرتره

پرتره یکی از ژانرهای نقاشی است که یکی از رایج ترین هنرهای زیبا است. هدف از پرتره در نقاشی به تصویر کشیدن یک شخص است، نه فقط او ظاهر، و همچنین احساسات و حالات درونی فرد به تصویر کشیده شده را منتقل می کند.

پرتره ها می توانند تک، جفت، گروهی و همچنین خودنگاره باشند که گاهی به عنوان یک ژانر مجزا از هم متمایز می شوند. و شاید مشهورترین پرتره تمام دوران، نقاشی لئوناردو داوینچی به نام "پرتره مادام لیزا دل جوکوندو" باشد که برای همه به عنوان "مونالیزا" شناخته می شود.

"مونالیزا" (1503-1506)
لئوناردو داوینچی

اولین پرتره ها هزاران سال پیش در مصر باستان- اینها تصاویر فراعنه بودند. از آن زمان به بعد، اکثر هنرمندان تمام دوران به هر طریقی خود را در این ژانر امتحان کرده اند. پرتره و ژانرهای تاریخی نقاشی نیز می توانند تلاقی داشته باشند: به تصویر کشیدن یک بزرگ شخصیت تاریخیاثری با ژانر تاریخی تلقی خواهد شد، اگرچه در عین حال ظاهر و شخصیت این شخص را به صورت پرتره منتقل می کند.

برهنه

هدف ژانر برهنه به تصویر کشیدن بدن برهنه انسان است. دوره رنسانس لحظه ظهور و توسعه این نوع نقاشی در نظر گرفته می شود و هدف اصلی نقاشی پس از آن اغلب به بدن زن تبدیل می شود که زیبایی آن دوران را تجسم می بخشد.

"کنسرت روستایی" (1510)
تیتیان

تیتیان، آمدئو مودیلیانی، آنتونیو داکورگیو، جورجیونه، پابلو پیکاسو مشهورترین هنرمندانی هستند که نقاشی های برهنه کشیده اند.

منظره

موضوع اصلی ژانر منظره طبیعت است، محیط زیست- شهر، روستا یا بیابان. اولین مناظر در دوران باستان هنگام نقاشی کاخ ها و معابد، ایجاد مینیاتورها و نمادها ظاهر شد. Landscape به عنوان یک ژانر مستقل در قرن شانزدهم شروع به ظهور کرد و از آن زمان به یکی از محبوب ترین ژانرها تبدیل شده است. ژانرهای نقاشی.

در آثار بسیاری از نقاشان وجود دارد، از پیتر روبنس، الکسی کوندراتیویچ ساوراسوف، ادوارد مانه، ادامه با ایزاک ایلیچ لویتان، پیت موندریان، پابلو پیکاسو، ژرژ براک و پایان دادن به بسیاری از هنرمندان معاصر قرن بیست و یکم.

"پاییز طلایی" (1895)
ایزاک لویتان

در میان نقاشی های منظره، می توان ژانرهایی مانند مناظر دریا و شهر را تشخیص داد.

ودوتا

ودوتا منظره ای است که هدف آن به تصویر کشیدن ظاهر یک منطقه شهری و انتقال زیبایی و طعم آن است. بعدها با توسعه صنعت، منظر شهری به منظر صنعتی تبدیل می شود.

"میدان سنت مارک" (1730)
کانالتو

شما می توانید با آشنایی با آثار Canaletto، Pieter Bruegel، Fyodor Yakovlevich Alekseev، Sylvester Feodosievich Shchedrin از مناظر شهر قدردانی کنید.

مارینا

یک منظره دریایی یا مارینا، ماهیت عنصر دریا، عظمت آن را به تصویر می‌کشد. مشهورترین نقاش دریایی در جهان شاید ایوان کنستانتینوویچ آیوازوفسکی باشد که نقاشی "موج نهم" او را می توان شاهکار نقاشی روسی نامید. اوج شکوفایی مارینا همزمان با توسعه چشم انداز به این شکل اتفاق افتاد.

"قایق بادبانی در طوفان" (1886)
جیمز باترسورث

کاتسوشیکا هوکوسای، جیمز ادوارد باترسورث، الکسی پتروویچ بوگولیوبوف، لو فلیکسوویچ لاگوریو و رافائل مونلئون تورس نیز به خاطر مناظر دریایی خود مشهور هستند.

اگر می خواهید درباره چگونگی پیدایش و توسعه ژانرهای نقاشی در هنر بیشتر بدانید، ویدیوی زیر را تماشا کنید:

آن را برای خود بگیرید و به دوستان خود بگویید!

در وب سایت ما نیز بخوانید:

نمایش بیشتر

این تصاویر در آگاهی هر روسی حک شده است. آنها از دوران کودکی برای هر یک از ما شناخته شده اند. آنها بخشی جدایی ناپذیر از فرهنگ روسیه هستند. و حداقل به همین دلیل آنها سزاوار این هستند که کمی بیشتر در مورد آنها بدانیم.

بیایید فهرستی از برجسته ترین نقاشی های هنرمندان روسی را مرور کنیم. و مهمتر از همه، بیایید بفهمیم که چرا آنها اینقدر تحسین شده اند.

و برای اینکه خسته نشویم، دانش مهم را رقیق خواهیم کرد حقایق جالب. بیایید دریابیم که چگونه الکساندر ایوانف می خواست از کارل بریولوف پیشی بگیرد. و ایلیا رپین "Barge Haulers" خود را به دلیل انتقاد ایوان شیشکین نابود کرد.

1. «آخرین روز پمپئی» نوشته برایولوف (1833)

کارل بریولوف آخرین روز پمپئی 1833 موزه دولتی روسیه.

بدون اغراق، ما از تراژدی پمپئی در درجه اول به لطف کارل بریولوف (1799-1852) می دانیم. روزی روزگاری او با شاهکار خود در ایتالیا و روسیه سروصدا کرد. و همه به این دلیل که او تعادل شگفت انگیزی بین حقیقت و داستان پیدا کرد.

برایولوف یک خیابان واقعی را به تصویر کشید. و حتی برخی از قهرمانان افراد واقعی هستند. بریولوف بقایای آنها را در حفاری دید.

اما هنرمند این فاجعه را فوق العاده زیبا نشان داد. که البته او در واقعیت نبود.

معلوم می شود بیننده با این افراد همدردی می کند. اما او از جزئیات وحشتناک وحشتناک نیست. بدبخت های برایولوف حتی یک لحظه قبل از مرگ به طرز الهی زیبا هستند.

هیچ کس نتوانست از «آخرین روز پمپئی» از نظر محبوبیت در میان معاصرانش پیشی بگیرد. این هنرمند در آغوش خود حمل شد: از این گذشته ، او تاریخ نقاشی روسیه را به "قبل و بعد" تقسیم کرد. از آن زمان، از سال 1833، تمام جهان درباره هنر روسیه صحبت می کنند.

2. «موج نهم» اثر آیوازوفسکی (1850)

ایوان آیوازوفسکی. موج نهم. 1850 موزه روسیه، سنت پترزبورگ.

کارل بریولوف گفت که وقتی به "موج نهم" اثر ایوان آیوازوفسکی (1817-1900) نگاه کرد، نمک را بر لبان خود احساس کرد. واقع بینانه کلمه درستی نیست. اما به این سادگی نیست.

پیش بند موج در دریای آزاد یافت نمی شود. خمیدگی موج فقط در نزدیکی ساحل شکل می گیرد. بنابراین موج سواران در دریای آزاد کاری ندارند.

ایوان آیوازوفسکی با استفاده از این ترفند شورش طبیعت را... دیدنی تر کرد. از این گذشته، او مانند برایولوف یک رمانتیک بود و عظمت عناصر را می خواند.

موج نهم از هر شانسی برای تبدیل شدن به یک شاهکار برخوردار بود. آیوازوفسکی تنها نقاش دریایی روسیه در آن زمان بود. در عین حال او به طرز باورنکردنی ماهرانه کار می کرد. علاوه بر این، او تراژدی دلخراش ملوانان را نشان داد.

3. «ظهور مسیح بر مردم» اثر ایوانف (1857)

الکساندر ایوانف. ظهور مسیح به مردم. 1837-1857 گالری ترتیاکوف

الکساندر ایوانف (1806-1858) واقعاً می خواست بریولوف را با پمپئی خود تحت الشعاع قرار دهد. من یک بوم 2 برابر بزرگتر برداشتم. و او 4 برابر بیشتر کار کرد (20 سال در مقابل پنج سال برایولوف).

اما مشکلی پیش آمد. هیچ کس ایوانف را در آغوش نگرفت (اگرچه او امیدوار بود). پیروزی صورت نگرفت.

مردم از ردیف 35 شخصیت در تونیک های چند رنگ قدردانی نکردند. علاوه بر این، "خواندن" تصویر دشوار است: از این گذشته، هر یک از این شخصیت ها واکنش خاص خود را به اولین ظهور مسیح دارند! یک نفر خوشحال است. برخی شک دارند که این "بره خدا" است. و کسی عصبانی است زیرا یک رقیب جدید ظاهر شده است.

بله، در فیلم هیچ شورش تماشایی عناصری مانند برایولوف و آیوازوفسکی وجود ندارد. و دلیلی برای همدردی با سرنوشت غم انگیز شخصیت های اصلی وجود ندارد.

اما مردم به جلوه های ویژه عادت کرده بودند: بنابراین آنها تحت تأثیر قرار نگرفتند. خب، امروزه فیلم های پرفروش هالیوود نیز از فیلم های مولف محبوب تر شده اند.

اما در واقع، ایوانف به تنهایی انقلابی در نقاشی روسی انجام داد. گذار از داستان های نمایشی و پرشکوه به تجربه ها مردم عادی.

و رئالیست‌های روسی (رپین، کرامسکوی، ساوراسوف و دیگران) تنها به لطف بهره‌برداری‌های تصویری ایوانف به چیزی تبدیل شدند که ما آنها را می‌شناسیم.

4. «روک ها رسیدند» نوشته ساوراسوف (1871)

الکسی ساوراسوف. روک ها رسیده اند. 1871 گالری دولتی ترتیاکوف، مسکو.

الکسی ساوراسوف (1830-1897) مانند الکساندر ایوانف انقلاب کرد. اما تخصصی تر. در منطقه چشم انداز.

با اثر «روک ها رسیدند» بود که دوران خلق و خوی آغاز شد.

تصویر یک پارادوکس دارد.

از یک طرف، منظره ... خسته کننده و تک رنگ است. چه چیز دیگری می توانید از پایان ماه مارس انتظار داشته باشید، به خصوص در مناطق دور افتاده روسیه که به خوبی حفظ نشده است؟ اینجا واقعا شلوغ است، خاکستریو فرسودگی تضمین شده است.

اما به نحوی جادویی همه چیز برای ما شیرین و صمیمانه به نظر می رسد. راز در جهت گیری ظریف بیننده به سمت احساسات خوشایند است.

از این گذشته ، هنرمند لحظه بسیار جالبی را انتخاب کرد: هنوز سرد است ، اما گرما در شرف آمدن است. ما این احساس تغییر سریع برای بهتر شدن را دوست داریم.

از این رو احساسات خوشایند، به ظاهر بدون دلیل. این فقط به سختی قابل توجه است.

از زمانی که ساوراسوف "Rooks" خود را در سال 1871 خلق کرد، تقریباً تمام مناظر روسیه دقیقاً چنین بوده اند - شاعرانه و خلق و خوی.

5. "بارگ هاولرها در ولگا" اثر رپین (1870-1873)

ایلیا رپین. باربرها در ولگا. 1870-1873 موزه دولتی روسیه

"بارج هاولرها در ولگا" شاهکار اصلی ایلیا رپین (1844-1930) است. اگرچه این هنرمند زمانی که حتی 30 سال نداشت آن را خلق کرد.

این تصویر به ویژه در این شهر محبوب شد دوران شوروی. چنین توطئه ای با ایدئولوژی ستمدیدگان بسیار مناسب بود. بنابراین ما آن را هم در کتاب های درسی و هم در جعبه های کبریت دیدیم.

آیا آنچه را که در بالا درباره انقلاب الکساندر ایوانف به شما گفتم به خاطر دارید؟ او اولین نفر در نقاشی روسی بود که مردم عادی را در یک ردیف قرار داد و احساسات متفاوتی را به آنها هدیه داد.

بنابراین رپین تمام درس های ایوانف را آموخت. اما او واقع گرایی را به حد مطلق رساند.

باربرهای واقعی برای هنرمند ژست گرفتند. ما نام و سرنوشت آنها را می دانیم (یعنی این افراد خوش شانس بودند: آنها در تاریخ ثبت شدند).

آنها ظاهرفوق العاده قابل باور این دقیقاً همان چیزی است که لباس‌ها از پوشیدن و قدم زدن در طول سالیان متمادی از ثروت بادآورده ساحلی تبدیل می‌شوند.

از این نظر ، ایوانف هنوز یک کلاسیک بود: لباس های قهرمانان او مانند ویترین فروشگاه بسیار تمیز است.

اما این فقط ظاهر نازک فقرا نیست که باعث می شود با آنها همدردی کنیم.

این هنرمند همچنین یک کشتی بخار را در دوردست نقاشی کرد. می گویند موتورها قبلاً اختراع شده اند و همه مردم را مسخره می کنند. بله، هنرمندان روسی دوست داشتند این "اوه، چقدر بد" را اضافه کنند.

6. "دختری با هلو" سروف (1887)

والنتین سرو. دختر با هلو. 1887 گالری ترتیاکوف، مسکو.

والنتین سرووف (1865-1911) زمانی که دختری با هلو را خلق کرد، شاهکار اصلی خود، حتی از رپین جوانتر بود. 22 سالش بود!

ظاهراً این یک ویژگی هنرمندان روسی است - آنها خلاقیت های اصلی خود را با توجه به جوانی خود ارائه می دهند: بریولوف، رپین. و سروف نیز به آنجا می رود.

اما به طور جدی، آنچه در مورد این اثر قابل توجه است، چیزی کاملاً متفاوت است. به سبک نوشته شده است. و این زمانی بود که در روسیه تقریباً هیچ چیز در مورد این جهت نقاشی نمی دانستند!

اما سروف به طور شهودی تصویری با سایه های رنگی، انعکاس های چند رنگی (لکه های رنگی-بازتاب برخی از اشیاء روی برخی دیگر)، سکته های قابل مشاهده نقاشی کرد.

7. «صبح در جنگل کاج» نوشته شیشکین (1889)

ایوان شیشکین. صبح در یک جنگل کاج. 1889 گالری ترتیاکوف.

ایوان شیشکین (1832-1898) می توانست از سایر هنرمندان انتقاد کند. بنابراین ایلیا رپین آن را از او گرفت. او به درختان نادرست کشیده شده در نقاشی "Barge Haulers on Volga" نفرین کرد.

تقریباً هر اثر هنری مهمی یک رمز و راز دارد، یک داستان مخفی که شما می خواهید آن را کشف کنید.

موسیقی روی باسن

هیرونیموس بوش، "باغ لذت های زمینی"، 1500-1510.

تکه ای از یک سه تایی

اختلافات در مورد معانی و معانی پنهان مشهورترین اثر هنرمند هلندی از زمان ظهور آن فروکش نکرده است. جناح راست سه‌گانه با عنوان «جهنم موسیقی» گناهکارانی را به تصویر می‌کشد که در دنیای زیرین با کمک آلات موسیقی شکنجه می‌شوند. یکی از آنها نت های موسیقی روی باسنش مهر شده است. آملیا همریک، دانشجوی دانشگاه مسیحی اوکلاهاما، که این نقاشی را مطالعه کرده بود، نماد قرن شانزدهمی را به یک پیچ و تاب مدرن ترجمه کرد و "آهنگی 500 ساله از جهنم" را ضبط کرد.

مونالیزای برهنه

معروف "La Gioconda" در دو نسخه وجود دارد: نسخه برهنه "Monna Vanna" نامیده می شود، که توسط هنرمند کمتر شناخته شده سالای، که شاگرد و نشیمن لئوناردو داوینچی بزرگ بود، نقاشی شده است. بسیاری از مورخان هنر مطمئن هستند که این او بود که الگوی نقاشی های لئوناردو "جان باپتیست" و "باکوس" بود. همچنین نسخه هایی وجود دارد که سالای با لباس زنانه به عنوان تصویر خود مونالیزا عمل می کرد.

ماهیگیر پیر

در سال 1902، هنرمند مجارستانی تیوادار کوستکا سونواری نقاشی "ماهیگیر پیر" را نقاشی کرد. به نظر می رسد هیچ چیز غیرعادی در تصویر وجود ندارد، اما تیوادار زیرمتنی را در آن قرار داده است که هرگز در طول زندگی این هنرمند فاش نشد.

تعداد کمی از مردم فکر می کردند که یک آینه در وسط تصویر قرار دهند. در هر فردی می تواند هم خدا (کتف راست پیرمرد تکراری است) و هم شیطان (کتف چپ پیرمرد تکراری) وجود داشته باشد.

نهنگ بود؟

هندریک ون آنتونیسن، صحنه ساحل.

به نظر یک منظره معمولی است. قایق، مردم در ساحل و دریای متروک. و فقط یک مطالعه اشعه ایکس نشان داد که مردم به دلیلی در ساحل جمع شدند - در اصل آنها به لاشه نهنگی که در ساحل شسته شده بود نگاه می کردند.

با این حال، این هنرمند تصمیم گرفت که هیچ کس نمی خواهد به یک نهنگ مرده نگاه کند و این نقاشی را بازنویسی کرد.

دو "صبحانه روی چمن"

ادوارد مانه، "ناهار روی چمن"، 1863.

کلود مونه، "ناهار روی چمن"، 1865.

هنرمندان ادوارد مانه و کلود مونه گاهی اوقات گیج می شوند - از این گذشته ، آنها هر دو فرانسوی بودند ، در یک زمان زندگی می کردند و به سبک امپرسیونیسم کار می کردند. مونه حتی عنوان یکی از معروف‌ترین نقاشی‌های مانه، «ناهار روی چمن» را به عاریت گرفت و «ناهار روی چمن» را نوشت.

در شام آخر دو برابر می شود

لئوناردو داوینچی، "شام آخر"، 1495-1498.

زمانی که لئوناردو داوینچی شام آخر را نوشت، به دو شخصیت اهمیت خاصی داد: مسیح و یهودا. او مدت زیادی را صرف جستجوی مدل برای آنها کرد. سرانجام او موفق شد در میان خوانندگان جوان الگویی برای تصویر مسیح پیدا کند. لئوناردو به مدت سه سال نتوانست الگویی برای یهودا پیدا کند. اما یک روز در خیابان با یک مستی مواجه شد که در یک ناودان دراز کشیده بود. او مرد جوانی بود که به دلیل مشروبات الکلی پیر شده بود. لئوناردو او را به یک میخانه دعوت کرد، جایی که بلافاصله شروع به نقاشی یهودا از او کرد. وقتی مست به خود آمد، به هنرمند گفت که قبلاً یک بار برای او ژست گرفته است. چند سال پیش بود که لئوناردو در گروه کر کلیسا آواز خواند، مسیح را از او نقاشی کرد.

"نگهبان شب" یا "دیده بان روز"؟

رامبراند، "نگهبان شب"، 1642.

یکی از مشهورترین نقاشی‌های رامبراند، «اجرای گروهان تفنگ کاپیتان فرانس بنینگ کوک و ستوان ویلم ون رویتنبرگ» حدود دویست سال در اتاق‌های مختلف آویزان بود و تنها در قرن نوزدهم توسط مورخان هنر کشف شد. از آنجایی که به نظر می رسید چهره ها در پس زمینه ای تاریک ظاهر می شدند، آن را "نگهبان شب" نامیدند و با این نام وارد خزانه هنر جهان شد.

و تنها در طول بازسازی انجام شده در سال 1947، مشخص شد که در سالن نقاشی با لایه ای از دوده پوشیده شده است که رنگ آن را مخدوش کرده است. پس از پاک کردن نقاشی اصلی، سرانجام مشخص شد که صحنه ای که رامبراند نشان می دهد در واقع در طول روز اتفاق می افتد. موقعیت سایه از دست چپ کاپیتان کوک نشان می دهد که مدت زمان عمل بیش از 14 ساعت نیست.

قایق واژگون

هانری ماتیس، "قایق"، 1937.

تابلوی هنری ماتیس "قایق" در سال 1961 در موزه هنر مدرن نیویورک به نمایش گذاشته شد. تنها پس از 47 روز کسی متوجه شد که نقاشی وارونه آویزان شده است. این بوم 10 خط بنفش و دو بادبان آبی را در زمینه سفید نشان می دهد. این هنرمند به دلایلی دو بادبان را نقاشی کرده است.
برای اینکه در نحوه آویزان شدن تصویر اشتباه نکنید، باید به جزئیات توجه کنید. بادبان بزرگتر باید بالای نقاشی باشد و قله بادبان نقاشی باید به سمت گوشه بالا سمت راست باشد.

فریب در سلف پرتره

ونسان ون گوگ، "خود پرتره با لوله"، 1889.

افسانه هایی وجود دارد که ون گوگ ظاهراً گوش خود را بریده است. اکنون معتبرترین نسخه این است که ون گوگ در یک نزاع کوچک که در آن هنرمند دیگری به نام پل گوگن شرکت داشت به گوش خود آسیب رساند.

سلف پرتره جالب است زیرا واقعیت را به شکلی تحریف شده منعکس می کند: هنرمند با گوش راستش پانسمان شده به تصویر کشیده می شود زیرا هنگام کار از آینه استفاده می کرد. در واقع این گوش چپ بود که تحت تاثیر قرار گرفت.

خرس های بیگانه

ایوان شیشکین، "صبح در جنگل کاج"، 1889.

نقاشی معروف نه تنها به شیشکین تعلق دارد. بسیاری از هنرمندانی که با یکدیگر دوست بودند اغلب به "کمک یک دوست" متوسل می شدند و ایوان ایوانوویچ که در تمام زندگی خود مناظر را نقاشی می کرد ، می ترسید که خرس های لمس کننده او آنطور که او نیاز داشت ظاهر نشوند. بنابراین، شیشکین به دوست خود، هنرمند حیوانات کنستانتین ساویتسکی روی آورد.

ساویتسکی شاید بهترین خرس های تاریخ نقاشی روسیه را نقاشی کرد و ترتیاکوف دستور داد که نام او از روی بوم پاک شود، زیرا همه چیز در تصویر "از مفهوم تا اجرا، همه چیز از شیوه نقاشی، از روش خلاقانه صحبت می کند. مخصوص شیشکین.»

داستان معصومانه "گوتیک"

گرانت وود، گوتیک آمریکایی، 1930.

آثار گرانت وود یکی از عجیب‌ترین و افسرده‌کننده‌ترین آثار تاریخ نقاشی آمریکا محسوب می‌شود. تصویر با پدر و دختر غمگین پر از جزئیاتی است که نشان دهنده شدت، خالص بودن و ماهیت واپسگرایانه افراد به تصویر کشیده شده است.
در واقع، این هنرمند قصد نداشت هیچ وحشتی را به تصویر بکشد: در طول سفر به آیووا، متوجه شد خانه کوچکبه سبک گوتیک و تصمیم گرفت افرادی را به تصویر بکشد که به نظر او به عنوان ساکنان ایده آل هستند. خواهر گرانت و دندانپزشکش در حالی جاودانه می شوند که آیوان ها از آنها آزرده خاطر شده بودند.

انتقام سالوادور دالی

تابلوی "تصویر در یک پنجره" در سال 1925، زمانی که دالی 21 ساله بود، کشیده شد. در آن زمان گالا هنوز وارد زندگی این هنرمند نشده بود و موزه او خواهرش آنا ماریا بود. رابطه بین خواهر و برادر زمانی بدتر شد که او در یکی از نقاشی‌ها نوشت: «بعضی وقت‌ها روی پرتره مادرم تف می‌کنم و این به من لذت می‌دهد». آنا ماریا نمی توانست چنین رفتار تکان دهنده ای را ببخشد.

او در کتاب سال 1949 خود، سالوادور دالی از طریق چشمان یک خواهر، بدون هیچ تعریف و تمجیدی درباره برادرش می نویسد. این کتاب خشم سالوادور را برانگیخت. ده سال دیگر پس از آن، در هر فرصتی با عصبانیت از او یاد می کرد. و به این ترتیب، در سال 1954، نقاشی "باکره جوانی که در گناه لواط با کمک شاخ های عفت خود غرق می شود" ظاهر شد. ژست زن، فرهای او، منظره بیرون پنجره و طرح رنگی نقاشی به وضوح "تصویر در پنجره" را منعکس می کند. نسخه ای وجود دارد که دالی از خواهرش به خاطر کتابش انتقام گرفت.

دانایی دو چهره

رامبراند هارمنس ون راین، "دانائه"، 1636 - 1647.

بسیاری از اسرار یکی از مشهورترین نقاشی های رامبراند تنها در دهه 60 قرن بیستم آشکار شد، زمانی که بوم با اشعه ایکس روشن شد. به عنوان مثال، تیراندازی نشان داد که در نسخه اولیه، چهره شاهزاده خانم که وارد یک رابطه عاشقانه با زئوس شده بود، شبیه چهره ساسکیا، همسر نقاش بود که در سال 1642 درگذشت. در نسخه نهایی نقاشی، شبیه چهره گرتی دیرکس، معشوقه رامبراند، که این هنرمند پس از مرگ همسرش با او زندگی کرد، شروع شد.

اتاق خواب زرد ون گوگ

ونسان ون گوگ، "اتاق خواب در آرل"، 1888 - 1889.

در ماه مه 1888، ون گوگ یک استودیوی کوچک در آرل، در جنوب فرانسه به دست آورد، جایی که از دست هنرمندان و منتقدان پاریسی که او را درک نمی کردند، فرار کرد. در یکی از چهار اتاق، وینسنت یک اتاق خواب راه اندازی می کند. در ماه اکتبر، همه چیز آماده است و او تصمیم می گیرد «اتاق خواب ون گوگ در آرل» را نقاشی کند. برای هنرمند، رنگ و راحتی اتاق بسیار مهم بود: همه چیز باید افکار آرامش را برانگیزد. در عین حال، تصویر با زنگ های زرد هشدار دهنده طراحی شده است.

محققان کار ون گوگ این را با این واقعیت توضیح می دهند که این هنرمند از دستکش روباه استفاده کرد، دارویی برای صرع، که باعث تغییرات جدی در درک بیمار از رنگ می شود: کل واقعیت اطراف به رنگ های سبز و زرد رنگ شده است.

کمال بی دندان

لئوناردو داوینچی، "پرتره بانو لیزا دل جوکوندو"، 1503 - 1519.

عقیده عمومی پذیرفته شده این است که مونالیزا کمال است و لبخند او در رمز و راز زیبایی است. با این حال، جوزف بورکوفسکی، منتقد هنری آمریکایی (و دندانپزشک پاره وقت) معتقد است که با قضاوت در حالت چهره او، این قهرمان دندان های زیادی را از دست داده است. در حین مطالعه عکس های بزرگ شده از این شاهکار، بورکوفسکی همچنین زخم هایی را در اطراف دهان خود کشف کرد. این کارشناس معتقد است: «او دقیقاً به خاطر اتفاقی که برای او افتاده است، «لبخند می‌زند». حالت چهره او برای افرادی است که دندان های جلویی خود را از دست داده اند.

رشته کنترل صورت

پاول فدوتوف، "همسان سازی سرگرد"، 1848.

مردمی که برای اولین بار نقاشی "مطالعه سرگرد" را دیدند، از ته دل خندیدند: هنرمند فدوتوف آن را با جزئیات کنایه آمیزی پر کرد که برای مخاطبان آن زمان قابل درک بود. به عنوان مثال، سرگرد به وضوح با قوانین آداب نجیب آشنا نیست: او بدون دسته گل های مورد نیاز برای عروس و مادرش حاضر شد. و والدین بازرگان او، عروس را با لباس مجلسی شب پوشاندند، اگرچه روز بود (تمام لامپ های اتاق خاموش شده بودند). بدیهی است که دختر برای اولین بار یک لباس کوتاه پوشیده است، خجالت زده است و سعی می کند به اتاق خود فرار کند.

چرا لیبرتی برهنه است؟

فردیناند ویکتور یوژن دلاکروا، "آزادی بر روی موانع"، 1830.

به گفته منتقد هنری اتین ژولی، دلاکروا چهره این زن را بر اساس انقلابی معروف پاریسی - لباسشویی آن شارلوت - که پس از مرگ برادرش به دست سربازان سلطنتی به سنگرها رفت و 9 نگهبان را کشت. این هنرمند او را با سینه های برهنه به تصویر کشید. طبق نقشه او، این نماد بی باکی و از خودگذشتگی و همچنین پیروزی دموکراسی است: سینه برهنه نشان می دهد که لیبرتی به عنوان یک مردم عادی کرست نمی پوشد.

مربع غیر مربع

کازیمیر مالویچ، "میدان سوپرماتیست سیاه"، 1915.

در واقع، «مربع سیاه» اصلاً سیاه نیست و به هیچ وجه مربع نیست: هیچ یک از اضلاع چهارگوش با هیچ یک از اضلاع دیگر آن موازی نیست و با هیچ یک از اضلاع کادر مربعی که عکس را قاب می کند، موازی نیست. و رنگ تیره حاصل اختلاط رنگهای مختلف است که در میان آنها رنگ مشکی وجود نداشت. اعتقاد بر این است که این سهل انگاری نویسنده نبود، بلکه یک موضع اصولی بود، میل به ایجاد یک فرم پویا و متحرک.

متخصصان گالری ترتیاکوف کتیبه نویسنده روی تابلوی معروف مالویچ را کشف کردند. در این کتیبه آمده است: "نبرد سیاهان در غار تاریک." این عبارت به عنوان نقاشی طنز آلفونس آلی، روزنامه‌نگار، نویسنده و هنرمند فرانسوی، «نبرد سیاه‌پوستان در غار تاریک در مرگ شب» اشاره دارد که مستطیل کاملاً سیاه بود.

ملودرام مونالیزای اتریشی

گوستاو کلیمت، "پرتره آدل بلوخ باوئر"، 1907.

یکی از مهم‌ترین نقاشی‌های کلیمت همسر فردیناد بلوخ بائر، نجیب زاده اتریشی را به تصویر می‌کشد. تمام وین در مورد عاشقانه طوفانی ادل و هنرمند مشهور بحث می کرد. شوهر زخمی می خواست از عاشقانش انتقام بگیرد، اما روش بسیار غیرمعمولی را انتخاب کرد: او تصمیم گرفت یک پرتره از ادل را به کلیمت سفارش دهد و او را مجبور به ساخت صدها طرح کند تا زمانی که هنرمند شروع به استفراغ از او کرد.

بلوخ باوئر می‌خواست این کار چندین سال به طول بینجامد تا نظاره‌گر ببیند که چگونه احساسات کلیمت در حال محو شدن است. او پیشنهاد سخاوتمندانه ای به هنرمند داد که نتوانست آن را رد کند و همه چیز طبق سناریوی شوهر فریب خورده رقم خورد: کار در 4 سال به پایان رسید ، عاشقان مدت ها بود که علاقه خود را به یکدیگر از دست داده بودند. آدل بلوخ باوئر هرگز نمی دانست که شوهرش از رابطه او با کلیمت آگاه است.

نقاشی که گوگن را زنده کرد

پل گوگن، "از کجا می آییم؟ کی هستیم؟ کجا می رویم؟"، 1897-1898.

مشهورترین نقاشی گوگن یک ویژگی دارد: مانند متون کابالیستی که هنرمند به آنها علاقه مند بود، نه از چپ به راست، بلکه از راست به چپ "خوانده می شود". به این ترتیب است که تمثیل معنوی و زندگی فیزیکیانسان: از تولد روح (کودکی خوابیده در گوشه پایین سمت راست) تا ناگزیر بودن ساعت مرگ (پرنده ای با مارمولکی در پنجه هایش در گوشه پایین سمت چپ).

این نقاشی توسط گوگن در تاهیتی کشیده شد، جایی که هنرمند چندین بار از تمدن گریخت. اما این بار زندگی در جزیره به نتیجه نرسید: فقر کامل او را به افسردگی کشاند. پس از اتمام بوم، که قرار بود به وصیت معنوی او تبدیل شود، یک جعبه آرسنیک برداشت و به کوه رفت تا بمیرد. با این حال، او دوز را محاسبه نکرد و خودکشی ناموفق بود. صبح روز بعد به سمت کلبه خود تکان خورد و به خواب رفت و وقتی از خواب بیدار شد عطشی فراموش شده برای زندگی را احساس کرد. و در سال 1898، تجارت او شروع به بهبود کرد و دوره درخشان تری در کار او آغاز شد.

112 ضرب المثل در یک عکس

پیتر بروگل بزرگ، "ضرب المثل هلندی"، 1559

پیتر بروگل بزرگ سرزمینی را به تصویر کشید که در آن تصاویر تحت اللفظی ضرب المثل های هلندی آن روزها زندگی می کردند. این نقاشی شامل تقریباً 112 اصطلاح قابل تشخیص است. برخی از آنها امروزه نیز مورد استفاده قرار می گیرند، به عنوان مثال: "بر خلاف جریان شنا کن"، "سر خود را به دیوار کوبیدن"، "تا دندان مسلح شده" و "ماهی بزرگ ماهی کوچک را می خورد".

ضرب المثل های دیگر نشان دهنده حماقت انسان است.

ذهنیت هنر

پل گوگن، "دهکده برتون در برف"، 1894

نقاشی گوگن "دهکده برتون در برف" پس از مرگ نویسنده تنها به قیمت هفت فرانک و علاوه بر این، با نام "آبشار نیاگارا" فروخته شد. مردی که حراج را برگزار می کرد، به دلیل دیدن آبشاری در آن، به طور تصادفی نقاشی را وارونه آویزان کرد.

عکس مخفی

پابلو پیکاسو، "اتاق آبی"، 1901

در سال 2008، تشعشعات فروسرخ نشان داد که در زیر اتاق آبی، تصویر دیگری پنهان شده است - پرتره ای از مردی که کت و شلوار پوشیده با یک پاپیون و سرش را روی دستش گذاشته است. «به محض اینکه پیکاسو داشت ایده جدید، قلم مو را برداشت و آن را مجسم کرد. پاتریشیا فاورو، مورخ هنر، دلیل احتمالی این موضوع را توضیح می‌دهد.

مراکشی ها در دسترس نیستند

زینیدا سربریاکوا، "برهنه"، 1928

یک روز زینیدا سربریاکوا یک پیشنهاد وسوسه انگیز دریافت کرد - برای به تصویر کشیدن چهره های برهنه دوشیزگان شرقی به یک سفر خلاقانه برود. اما معلوم شد که یافتن مدل ها در آن مکان ها به سادگی غیرممکن است. مترجم زینیدا به کمک آمد - او خواهران و نامزدش را نزد او آورد. هیچ کس قبل یا بعد نتوانسته است زنان شرقی را از نمای نزدیک برهنه به تصویر بکشد.

بینش خود به خود

والنتین سرووف، "پرتره نیکلاس دوم در یک ژاکت"، 1900

برای مدت طولانی، سروف نتوانست پرتره ای از تزار بکشد. وقتی هنرمند کاملاً تسلیم شد ، از نیکولای عذرخواهی کرد. نیکولای کمی ناراحت بود، پشت میز نشست و دستانش را در مقابل او دراز کرد ... و سپس به هنرمند رسید - این تصویر است! نظامی ساده با ژاکت افسری با چشمانی شفاف و غمگین. این پرتره بهترین تصویر از آخرین امپراتور محسوب می شود.

یه دونه دیگه

© فدور رشتنیکوف

تابلوی معروف «دوباره دوز» تنها قسمت دوم یک سه گانه هنری است.

بخش اول «به تعطیلات رسیدم» است. واضح است که یک خانواده ثروتمند، تعطیلات زمستانی، یک دانش آموز ممتاز شاد.

قسمت دوم «دوباره دعوا» است. خانواده ای فقیر از حومه طبقه کارگر، اوج سال تحصیلی، یک احمق افسرده، که دوباره نمره بد گرفت. در گوشه سمت چپ بالا می توانید نقاشی "برای تعطیلات وارد شده" را مشاهده کنید.

بخش سوم «آزمون مجدد» است. خانه ای روستایی، تابستانی، همه راه می روند، یک جاهل بدخواه، که در امتحان سالیانه مردود شده، مجبور می شود در چهار دیواری بنشیند و بنشیند. در گوشه سمت چپ بالا می‌توانید نقاشی «دوباره دوز» را ببینید.

چگونه شاهکارها متولد می شوند

جوزف ترنر، باران، بخار و سرعت، 1844

در سال 1842، خانم سیمون با قطار به انگلستان سفر کرد. ناگهان باران شدیدی شروع شد. آقا مسن که روبروی او نشسته بود، ایستاد، پنجره را باز کرد، سرش را بیرون آورد و حدود ده دقیقه خیره شد. زن که نتوانست جلوی کنجکاوی خود را بگیرد، پنجره را باز کرد و شروع به نگاه کردن به جلو کرد. یک سال بعد، او نقاشی "باران، بخار و سرعت" را در نمایشگاهی در آکادمی سلطنتی هنر کشف کرد و توانست همان قسمت را در قطار در آن تشخیص دهد.

درس آناتومی از میکل آنژ

میکل آنژ، "آفرینش آدم"، 1511

یک جفت متخصص نوروآناتومی آمریکایی بر این باورند که میکل آنژ در واقع برخی از تصاویر تشریحی را در یکی از بهترین تصاویر خود به جای گذاشته است. آثار معروف. آنها معتقدند که سمت راست نقاشی یک مغز بزرگ را به تصویر می کشد. با کمال تعجب، حتی اجزای پیچیده ای مانند مخچه، اعصاب بینایی و غده هیپوفیز را می توان یافت. و جذاب روبان سبزکاملاً با محل شریان مهره ای منطبق است.

"شام آخر" اثر ون گوگ

ونسان ون گوگ، تراس کافه در شب، 1888

محقق جرد باکستر معتقد است که نقاشی ون گوگ "کافه تراس در شب" حاوی تقدیم رمزگذاری شده به "شام آخر" لئوناردو داوینچی است. در مرکز تصویر پیشخدمتی با موهای بلند و تونیک سفیدی که یادآور لباس مسیح است ایستاده است و در اطراف او دقیقا 12 بازدیدکننده کافه وجود دارد. باکستر همچنین توجه را به صلیب که دقیقاً در پشت گارسون با لباس سفید قرار دارد جلب می کند.

تصویر خاطره دالی

سالوادور دالی، "تداوم حافظه"، 1931

بر کسی پوشیده نیست که افکاری که در هنگام خلق شاهکارهای دالی به دیدارش می‌رفت همیشه در قالب تصاویر بسیار واقع گرایانه بود که هنرمند سپس آنها را به بوم منتقل کرد. بنابراین، به گفته خود نویسنده، نقاشی "تداوم حافظه" در نتیجه تداعی هایی که از دیدن پنیر فرآوری شده ناشی می شود، نقاشی شده است.

مونک در مورد چه فریاد می زند؟

ادوارد مونک، "جیغ"، 1893.

مونک درباره ایده یکی از اسرارآمیزترین نقاشی های نقاشی جهان گفت: "من با دو دوست در مسیری قدم می زدم - خورشید در حال غروب بود - ناگهان آسمان قرمز خون شد، مکث کردم، احساس خستگی کردم و به آن تکیه دادم. حصار - من به خون و شعله های آتش بر فراز آبدره سیاه مایل به آبی و شهر نگاه کردم - دوستانم حرکت کردند و من از هیجان می لرزیدم و صدای فریاد بی پایانی را که طبیعت را سوراخ می کند احساس می کردم. اما کدام غروب می تواند این هنرمند را تا این حد بترساند؟

نسخه ای وجود دارد که ایده "فریاد" در سال 1883 توسط مونک متولد شد، زمانی که چندین فوران قدرتمند آتشفشان کراکاتوا رخ داد - آنقدر قدرتمند که دمای جو زمین را یک درجه تغییر داد. مقدار زیادی گرد و غبار و خاکستر در سراسر جهان پخش شد و حتی به نروژ رسید. برای چندین شب متوالی، غروب خورشید به نظر می رسید که گویی آخرالزمان نزدیک است - یکی از آنها منبع الهام این هنرمند شد.

نویسنده ای در میان مردم

الکساندر ایوانف، "ظهور مسیح بر مردم"، 1837-1857.

ده ها نشسته برای الکساندر ایوانف برای نقاشی اصلی اش ژست گرفتند. یکی از آنها کمتر از خود هنرمند شناخته شده است. در پس زمینه، در میان مسافران و سواران رومی که هنوز موعظه یحیی تعمید دهنده را نشنیده اند، می توانید شخصیتی را با تونیک عبا ببینید. ایوانف آن را از نیکولای گوگول نوشت. نویسنده از نزدیک با این هنرمند در ایتالیا به ویژه در مورد مسائل مذهبی ارتباط برقرار کرد و در طول مراحل نقاشی به او توصیه هایی می کرد. گوگول معتقد بود که ایوانف "از مدتها قبل برای تمام جهان مرده است، به جز کارش."

نقرس میکل آنژ

رافائل سانتی، "مدرسه آتن"، 1511.

رافائل با ایجاد نقاشی دیواری معروف "مدرسه آتن" دوستان و آشنایان خود را در تصاویر فیلسوفان یونان باستان جاودانه کرد. یکی از آنها میکل آنژ بووناروتی "در نقش" هراکلیتوس بود. برای چندین قرن، نقاشی‌های دیواری اسرار زندگی شخصی میکل آنژ را حفظ می‌کرد و محققان مدرن پیشنهاد کرده‌اند که زانوی زاویه‌دار عجیب این هنرمند نشان می‌دهد که او یک بیماری مفصلی داشته است.

با توجه به ویژگی های سبک زندگی و شرایط کاری هنرمندان رنسانس و اعتیاد مزمن به کار میکل آنژ، این کاملا محتمل است.

آینه زوج آرنولفینی

یان ون ایک، "پرتره زوج آرنولفینی"، 1434

در آینه پشت زوج آرنولفینی می توانید انعکاس دو نفر دیگر را در اتاق ببینید. به احتمال زیاد، اینها شاهدان حاضر در انعقاد قرارداد هستند. یکی از آنها ون ایک است، همانطور که کتیبه لاتینی که بر خلاف سنت در بالای آینه در مرکز ترکیب قرار داده شده است نشان می دهد: "Jan van Eyck اینجا بود." معمولاً قراردادها به این صورت بسته می شد.

چگونه یک نقطه ضعف به استعداد تبدیل شد

رامبراند هارمنس ون راین، سلف پرتره در سن 63 سالگی، 1669.

محقق مارگارت لیوینگستون تمام خودنگاره های رامبراند را مطالعه کرد و متوجه شد که این هنرمند از استرابیسم رنج می برد: در تصاویر چشمان او به جهات مختلفی نگاه می کند که در پرتره های افراد دیگر توسط استاد مشاهده نمی شود. این بیماری منجر به این شد که هنرمند بتواند واقعیت را در دو بعد بهتر از افراد با دید عادی درک کند. این پدیده "کوری استریو" نامیده می شود - ناتوانی در دیدن جهان به صورت سه بعدی. اما از آنجایی که نقاش باید با یک تصویر دو بعدی کار کند، همین نقص رامبراند می تواند یکی از توضیحات استعداد خارق العاده او باشد.

زهره بی گناه

ساندرو بوتیچلی، "تولد زهره"، 1482-1486.

قبل از ظهور زهره، تصویر بدن برهنه زن در نقاشی تنها نمادی از ایده گناه اصلی بود. ساندرو بوتیچلی اولین نقاش اروپایی بود که هیچ گناهی در او نیافت. علاوه بر این، مورخان هنر مطمئن هستند که الهه عشق بت پرست نماد یک تصویر مسیحی در نقاشی دیواری است: ظاهر او تمثیلی از تولد دوباره روحی است که آیین غسل تعمید را پشت سر گذاشته است.

عود نواز یا عود نواز؟

میکل آنژ مریسی دا کاراواجو، "نوازنده عود"، 1596.

برای مدت طولانی این نقاشی تحت عنوان "نوازنده عود" در ارمیتاژ به نمایش گذاشته شد. تنها در آغاز قرن بیستم مورخان هنر توافق کردند که این نقاشی مرد جوانی را به تصویر می کشد (احتمالا کاراواجو توسط دوستش هنرمند ماریو مینیتی طراحی شده است): روی نت های جلوی نوازنده می توان ضبط خط باس را مشاهده کرد. از مادریگال یعقوب آرکادل "تو می دانی که دوستت دارم" . یک زن به سختی می تواند چنین انتخابی را انجام دهد - فقط در گلو سخت است. علاوه بر این، عود، مانند ویولن در لبه تصویر، یک ساز مردانه در دوران کاراواجو به حساب می آمد.

امروز بیست نقاشی را به شما ارائه می دهیم که ارزش توجه و شناسایی دارند. این نقاشی‌ها توسط هنرمندان مشهور کشیده شده‌اند و نه تنها کسانی که به هنر می‌پردازند، بلکه انسان‌های معمولی نیز باید آن‌ها را بشناسند، زیرا هنر زندگی ما را رنگ می‌کند، زیبایی‌شناسی نگاه ما به جهان را عمیق‌تر می‌کند. به هنر جایگاهی که باید در زندگیت بده...

1. "شام آخر". لئوناردو داوینچی، 1495 - 1498

تابلوی یادبود لئوناردو داوینچی که صحنه آخرین غذای مسیح را با شاگردانش به تصویر می کشد. در 1495-1498 در صومعه دومینیکن سانتا ماریا دل گرازیه در میلان ایجاد شد.

این نقاشی به سفارش لئوناردو از حامی او، دوک لودوویکو اسفورزا و همسرش بئاتریس داسته ساخته شده است. لونت های بالای تابلو که توسط سقفی با سه طاق شکل گرفته اند، با نشان اسفورزا نقاشی شده اند. این نقاشی در سال 1495 آغاز شد و در سال 1498 تکمیل شد. کار به صورت متناوب پیش رفت تاریخ شروع کار مشخص نیست، زیرا "بایگانی صومعه تخریب شد و بخش ناچیزی از اسنادی که در اختیار داریم به سال 1497 بازمی‌گردد، زمانی که نقاشی تقریباً تکمیل شده بود."

این نقاشی نقطه عطفی در تاریخ رنسانس شد: عمق چشم انداز به درستی بازتولید شده جهت توسعه نقاشی غربی را تغییر داد.

اعتقاد بر این است که بسیاری از اسرار و نکات در این تصویر پنهان شده است - به عنوان مثال، این فرض وجود دارد که تصویر عیسی و یهودا از یک شخص کپی شده است. هنگامی که داوینچی این تصویر را ترسیم کرد، عیسی در رؤیای خود خیر را به تصویر کشید، در حالی که یهودا شر خالص بود. و وقتی استاد "یهودای خود" (یک مست از خیابان) را پیدا کرد ، معلوم شد که به گفته مورخان ، این مست چندین سال قبل به عنوان نمونه اولیه برای نقاشی تصویر عیسی عمل کرده است. بنابراین، می توان گفت که این تصویر یک فرد را در دوره های مختلف زندگی خود به تصویر کشیده است.

2. "آفتابگردان". ونسان ون گوگ، 1887

عنوان دو چرخه نقاشی از هنرمند هلندی ونسان ون گوگ. اولین سری در سال 1887 در پاریس ساخته شد. به گلهای دروغگو اختصاص دارد. سری دوم یک سال بعد در آرل به پایان رسید. او یک دسته گل آفتابگردان را در یک گلدان به تصویر می کشد. پل گوگن دوست ون گوگ دو تابلوی نقاشی پاریسی به دست آورد.

این هنرمند یازده بار گل های آفتابگردان را نقاشی کرد. چهار نقاشی اول در پاریس در آگوست - سپتامبر 1887 خلق شدند. گل های بریده بزرگ مانند موجودات عجیب و غریبی که جلوی چشمان ما می میرند قرار دارند.

3. «موج نهم». ایوان کنستانتینویچ آیوازوفسکی؟، 1850.

یکی از معروف ترین نقاشی های ایوان آیوازوفسکی نقاش دریایی روسی در موزه روسیه نگهداری می شود.

نقاش دریا را پس از طوفان شدید شبانه و افراد کشتی شکسته به تصویر می کشد. پرتوهای خورشید امواج عظیم را روشن می کند. بزرگترین آنها - شفت نهم - آماده سقوط بر روی افرادی است که سعی می کنند از روی خرابه دکل فرار کنند.

با وجود اینکه کشتی نابود شده و فقط دکل آن باقی مانده است، افراد روی دکل زنده هستند و به مبارزه با عناصر ادامه می دهند. رنگ های گرم تصویر باعث می شود که دریا چندان خشن نباشد و بیننده را به نجات مردم امیدوار کند.

نقاشی "موج نهم" که در سال 1850 خلق شد، بلافاصله مشهورترین در بین همه ماریناهای او شد و توسط نیکلاس اول به دست آمد.

4. «مخا برهنه». فرانسیسکو گویا، 1797-1800

نقاشی هنرمند اسپانیایی فرانسیسکو گویا که در حدود 1797-1800 کشیده شده است. با نقاشی "ماجا لباس پوشیده" (La maja vestida) جفت می شود. این نقاشی ها ماچا، یک شهروند اسپانیایی قرن 18-19 را به تصویر می کشد که یکی از موضوعات مورد علاقه این هنرمند است. "ماجا برهنه" یکی از اولین آثار هنر غربی است که یک زن کاملا برهنه را بدون مفاهیم اسطوره ای یا منفی به تصویر می کشد.

5. «پرواز عاشقان». مارک شاگال، 1914-1918

کار بر روی نقاشی "بالاتر از شهر" در سال 1914 آغاز شد و استاد آخرین لمس ها را تنها در سال 1918 اعمال کرد. در این مدت، بلا از یک عاشق نه تنها به یک همسر مورد ستایش، بلکه به مادر دخترشان آیدا تبدیل شد و برای همیشه به موزه اصلی نقاش تبدیل شد. پیوند دختر ثروتمند یک جواهرفروش موروثی و یک جوان ساده یهودی که پدرش با تخلیه شاه ماهی امرار معاش می کرد، فقط می توان نامش را یک ناسازگاری گذاشت، اما عشق قوی تر بود و بر همه قراردادها غلبه کرد. این عشق بود که الهام بخش آنها شد و آنها را به بهشت ​​برد.

کارینا دو عشق شاگال را در یک لحظه به تصویر می کشد - بلا و ویتبسک که در قلب او عزیز هستند. خیابان ها به شکل خانه هایی هستند که با حصاری تاریک بلند از هم جدا شده اند. بیننده بلافاصله متوجه نمی شود که بزی در سمت چپ مرکز تصویر چرا می کند، و مردی ساده با شلوار پایین در پیش زمینه - طنز نقاش، خارج شدن از بافت کلی و حال و هوای رمانتیک اثر، اما این همه شاگال است...

6. «چهره جنگ». سالوادور دالی، 1940.

نقاشی هنرمند اسپانیایی سالوادور دالی که در سال 1940 کشیده شده است.

این نقاشی در راه ایالات متحده خلق شده است. استاد تحت تأثیر فاجعه ای که در جهان رخ می دهد و تشنه خون سیاستمداران، کار در کشتی را آغاز می کند. در موزه Boijmans-van Beuningen در روتردام واقع شده است.

این هنرمند با از دست دادن امید به زندگی عادی در اروپا، پاریس محبوب خود را به مقصد آمریکا ترک می کند. جنگ را پوشش می دهد دنیای قدیمو به دنبال تصاحب سایر نقاط جهان است. استاد هنوز نمی داند که هشت سال اقامت در دنیای جدید او را واقعاً مشهور می کند و آثارش به شاهکارهای نقاشی جهان تبدیل می شوند.

7. "جیغ" ادوارد مونک، 1893

"جیغ" (نروژی Skrik) مجموعه ای از نقاشی های هنرمند اکسپرسیونیست نروژی ادوارد مونک است که بین سال های 1893 و 1910 خلق شده است. آنها یک پیکر انسانی را به تصویر می کشند که در برابر آسمان قرمز خونی و پس زمینه ای بسیار تعمیم یافته از روی ناامیدی فریاد می زند. در سال 1895، مونک یک چاپ سنگی با همین موضوع ایجاد کرد.

آسمان داغ قرمز و آتشین آبدره سرد را پوشانده بود که به نوبه خود سایه ای خارق العاده شبیه به نوعی هیولای دریایی را به وجود می آورد. تنش فضا را مخدوش کرده است، خطوط شکسته شده اند، رنگ ها ناسازگار هستند، پرسپکتیو از بین رفته است.

بسیاری از منتقدان بر این باورند که طرح تصویر ثمره تخیل بیمار یک بیمار روانی است. برخی از افراد در اثر پیشگویی از یک فاجعه زیست محیطی را می بینند، برخی دیگر تصمیم می گیرند که کدام مومیایی الهام بخش نویسنده برای خلق این اثر بوده است.

8. «دختری با گوشواره مروارید». یان ورمیر، 1665

نقاشی "دختری با گوشواره مروارید" (هلند: "Het meisje met de parel") در حدود سال 1665 کشیده شد. در حال حاضر در موزه Mauritshuis، لاهه، هلند نگهداری می شود و نشانه بارز این موزه است. این نقاشی با نام مستعار مونالیزا هلندی یا مونالیزای شمال در ژانر ترونی نقاشی شده است.

به لطف فیلم پیتر وبر "دختری با گوشواره مروارید" در سال 2003، تعداد زیادی از مردم به دور از نقاشی در مورد هنرمند فوق العاده هلندی یوهانس ورمیر و همچنین در مورد مشهورترین نقاشی او "دختری با گوشواره مروارید" آشنا شدند.

9. «برج بابل». پیتر بروگل، 1563

نقاشی معروف هنرمند پیتر بروگل. این هنرمند حداقل دو نقاشی بر اساس این موضوع خلق کرد.

این نقاشی در موزه Kunsthistorisches وین قرار دارد.

داستانی در کتاب مقدس وجود دارد که چگونه ساکنان بابل تلاش کردند تا برجی بلند بسازند تا به بهشت ​​برسند، اما خداوند آنها را به زبان های مختلف وادار کرد، یکدیگر را درک نکردند و برج ناتمام ماند.

10. «زنان الجزایری». پابلو پیکاسو، 1955

"زنان الجزایر" مجموعه ای متشکل از 15 نقاشی است که توسط پیکاسو در سال های 1954-1955 بر اساس نقاشی های اوژن دلاکروا خلق شده است. نقاشی ها با حروف اختصاص داده شده توسط هنرمند از A به O متمایز می شوند. "نسخه O" در 14 فوریه 1955 نقاشی شد. برای مدتی متعلق به مجموعه دار مشهور هنری آمریکایی قرن بیستم، ویکتور گانز بود.

تابلوی «زنان الجزایر (نسخه O)» اثر پابلو پیکاسو ۱۸۰ میلیون دلار فروخته شد.

11. "سیاره جدید". کنستانتین یوون، 1921

نقاش روسی شوروی، استاد منظره، هنرمند تئاتر، نظریه پرداز هنر. آکادمی آکادمی هنر اتحاد جماهیر شوروی. هنرمند خلق اتحاد جماهیر شوروی. برنده جایزه استالین درجه یک. عضو حزب کمونیست اتحاد اتحادیه از سال 1951.

این نقاشی شگفت انگیز "سیاره جدید" که در سال 1921 ایجاد شد و اصلاً نمونه ای از هنرمند رئالیست یوون نیست، یکی از درخشان ترین آثاری است که تصویر تغییراتی را که در دهه دوم قرن بیستم به انقلاب اکتبر تبدیل شد را تجسم می بخشد. سیستم جدید، راه جدید و تصویر جدیدفکر کردن به جامعه تازه در حال ظهور شوروی. اکنون چه چیزی در انتظار بشریت است؟ آینده روشن؟ آن موقع به آن فکر نمی کردند، اما چه روسیه شورویو کل جهان در حال ورود به عصر تغییر است، بدیهی است، همانطور که تولد سریع یک سیاره جدید است.

12. «سیستین مدونا». رافائل سانتی، 1754

نقاشی از رافائل که از سال 1754 در گالری استادان قدیمی درسدن وجود دارد. متعلق به قله های شناخته شده رنسانس عالی است.

این نقاشی با اندازه بزرگ (265 × 196 سانتی متر، همانطور که اندازه نقاشی در کاتالوگ گالری درسدن نشان داده شده است)، توسط رافائل برای محراب کلیسای صومعه سنت سیکستوس در پیاچنزا به سفارش پاپ خلق شده است. ژولیوس دوم. فرضیه ای وجود دارد که این نقاشی در سال های 1512-1513 به افتخار پیروزی بر فرانسوی هایی که در طول جنگ های ایتالیا به لمباردی حمله کردند و متعاقباً گنجاندن پیاچنزا در ایالات پاپ کشیده شد.

13. مریم مجدلیه توبه کننده. تیتیان (Tiziano Vecellio)، نقاشی شده در حدود 1565

تابلویی که در حدود سال 1565 توسط هنرمند ایتالیایی تیتیان وچلیو کشیده شد. متعلق به موزه دولتی ارمیتاژ در سن پترزبورگ است. گاهی اوقات تاریخ ایجاد را "1560s" ذکر می کنند.

مدل نقاشی جولیا فستینا بود که با شوک موهای طلایی خود هنرمند را شگفت زده کرد. بوم تمام شده دوک گونزاگا را بسیار تحت تاثیر قرار داد و او تصمیم گرفت یک کپی از آن را سفارش دهد. بعداً، تیتین با تغییر پس زمینه و ژست گرفتن زن، چند اثر مشابه دیگر نوشت.

14. «مونالیزا». لئوناردو داوینچی، 1503-1505

پرتره خانم لیزا دل جوکوندو، (ایتالیایی. Ritratto di Monna Lisa del Giocondo) - نقاشی از لئوناردو داوینچی، واقع در موزه لوور (پاریس، فرانسه)، یکی از زیباترین آثار آثار معروفنقاشی در جهان، که اعتقاد بر این است که پرتره لیزا گراردینی، همسر تاجر ابریشم فلورانسی، فرانچسکو دل جوکوندو، در حدود 1503-1505 نقاشی شده است.

طبق یکی از نسخه های ارائه شده، "مونالیزا" یک پرتره از خود این هنرمند است.

15. "صبح در یک جنگل کاج"، شیشکین ایوان ایوانوویچ، 1889.

نقاشی ایوان شیشکین و کنستانتین ساویتسکی از هنرمندان روسی. ساویتسکی خرس ها را نقاشی کرد، اما مجموعه دار پاول ترتیاکوف امضای او را پاک کرد، به طوری که نویسنده نقاشی اغلب به تنهایی نشان داده می شود.

ایده این نقاشی توسط ساویتسکی به شیشکین پیشنهاد شد که بعداً به عنوان نویسنده مشترک عمل کرد و فیگورهای توله خرس را به تصویر کشید. این خرس ها با کمی تفاوت در حالت ها و اعداد (در ابتدا دو مورد از آنها وجود داشت) در نقشه ها و طرح های مقدماتی ظاهر می شوند. ساویتسکی آنقدر حیوانات را خوب نشان داد که حتی نقاشی را با شیشکین امضا کرد.

16. ما انتظارش را نداشتیم. ایلیا رپین، 1884-1888

نقاشی هنرمند روسی ایلیا رپین (1844-1930)، نقاشی شده در 1884-1888. این بخشی از مجموعه گالری دولتی ترتیاکوف است.

این نقاشی که در دوازدهمین نمایشگاه سیار به نمایش گذاشته شد، بخشی از چرخه داستانی است که به سرنوشت پوپولیست انقلابی روسیه اختصاص دارد.

17. «بال در مولن د لا گالت»، پیر آگوست رنوار، 1876.

نقاشی که توسط هنرمند فرانسوی پیر آگوست رنوار در سال 1876 کشیده شد.

مکانی که این نقاشی در آن قرار دارد، موزه اورسی است. Moulin de la Galette یک میخانه ارزان قیمت در مونمارتر است که در آن دانشجویان و جوانان کارگر پاریس گرد هم می آمدند.

18. "شب پر ستاره". ونسان ون گوگ، 1889.

De sterrennacht- تابلویی از ونسان ون گوگ هنرمند هلندی که در ژوئن 1889 با منظره ای از آسمان پیش از طلوع بر فراز یک شهر خیالی از پنجره شرقی خانه این هنرمند در سن رمی دو پروونس کشیده شد. از سال 1941 در موزه هنر مدرن نیویورک نگهداری می شود. در نظر گرفته شده یکی از بهترین آثارون گوگ و یکی از شاخص ترین آثار نقاشی غرب.

19. خلقت آدم. میکل آنژ، 1511.

نقاشی دیواری توسط میکل آنژ، در حدود سال 1511 نقاشی شده است. نقاشی دیواری چهارمین ترکیب از نه ترکیب مرکزی سقف کلیسای سیستین است.

"آفرینش آدم" یکی از برجسته ترین ترکیب بندی های نقاشی کلیسای سیستین است. خدای پدر در فضای بینهایت پرواز می کند، که توسط فرشتگان بی بال احاطه شده است، با تونیک سفید روان. دست راست به سمت دست آدم دراز شده و تقریباً آن را لمس می کند. بدن آدم که روی صخره سبز افتاده است به تدریج شروع به حرکت می کند و به زندگی بیدار می شود. کل ترکیب بر روی ژست دو دست متمرکز شده است. دست خدا انگیزه می دهد و دست آدم آن را دریافت می کند و به تمام بدن می دهد انرژی حیاتی. میکل آنژ با این واقعیت که دستان آنها لمس نمی شود، بر عدم امکان اتصال الهی و انسانی تأکید کرد. در تصویر خدا، طبق نقشه هنرمند، این اصل معجزه آسا نیست که غالب است، بلکه انرژی خلاق غول پیکر است. در تصویر آدم، میکل آنژ قدرت و زیبایی را جشن می گیرد بدن انسان. در واقع، آنچه در برابر ما ظاهر می شود، آفرینش خود انسان نیست، بلکه لحظه ای است که در آن روح دریافت می کند، جستجوی پرشور الهی، تشنگی برای دانش.

20. «در آسمان پر ستاره ببوس». گوستاو کلیمت، 1905-1907

نقاشی هنرمند اتریشی گوستاو کلیمت، نقاشی شده در سال های 1907-1908. این بوم متعلق به دوره کار کلیمت به نام "طلایی" است. آخرین قطعهنویسنده در «دوره طلایی» خود.

روی یک صخره، بر لبه یک چمنزار گل، در هاله ای طلایی، عاشقان کاملاً غوطه ور در یکدیگر ایستاده اند و از تمام جهان حصار کشیده شده اند. با توجه به نامشخص بودن مکان اتفاق، به نظر می‌رسد زوجی که در تصویر به تصویر کشیده شده‌اند، در آن سوی همه کلیشه‌ها و فجایع تاریخی و اجتماعی، در حال حرکت به حالتی کیهانی هستند که تابع زمان و مکان نیست. خلوت کامل و چهره مرد به عقب تنها بر احساس انزوا و جدایی در رابطه با ناظر تأکید می کند.

منبع – ویکی پدیا، muzei-mira.com، say-hi.me

20 نقاشی که همه باید بدانند (تاریخچه نقاشی)به روز رسانی: 23 نوامبر 2016 توسط: وب سایت

نقاشی باشکوه و متنوع روسی همیشه بینندگان را با عدم ثبات و کمال خود خوشحال می کند فرم های هنری. این ویژگی آثار استادان مشهور هنر است. آنها همیشه ما را با رویکرد خارق العاده خود به کار، نگرش محترمانه خود نسبت به احساسات و احساسات هر فرد شگفت زده می کردند. شاید به همین دلیل است که هنرمندان روسی اغلب ترکیبات پرتره‌ای را به تصویر می‌کشند که تصاویر احساسی و نقوش آرام حماسی را به وضوح ترکیب می‌کردند. جای تعجب نیست که ماکسیم گورکی زمانی گفت که یک هنرمند قلب کشورش است، صدای یک دوره کامل. در واقع، نقاشی های باشکوه و ظریف هنرمندان روسی به وضوح الهام زمان خود را منتقل می کند. مشابه آرزوهای نویسنده مشهور آنتون چخوف، بسیاری به دنبال این بودند که طعم منحصر به فرد مردم خود و همچنین رویایی خاموش نشدنی زیبایی را در نقاشی های روسی بیاورند. دست کم گرفتن نقاشی های خارق العاده این استادان هنر باشکوه دشوار است، زیرا آثار واقعاً خارق العاده ای از ژانرهای مختلف زیر قلم موها متولد شدند. نقاشی آکادمیک، پرتره، نقاشی تاریخی، منظره، آثار رمانتیسم، مدرنیسم یا نمادگرایی - همه آنها هنوز شادی و الهام را برای بینندگان خود به ارمغان می آورند. همه در آنها چیزی بیش از رنگ های رنگارنگ، خطوط برازنده و ژانرهای تکرار نشدنی هنر جهانی پیدا می کنند. شاید چنین فراوانی فرم ها و تصاویری که نقاشی روسی با آن شگفتی می زند با پتانسیل عظیم دنیای اطراف هنرمندان مرتبط باشد. لویتان همچنین گفت که هر نت از طبیعت سرسبز شامل یک پالت رنگی باشکوه و خارق العاده است. با چنین آغازی، فضای باشکوهی برای قلم موی هنرمند ظاهر می شود. بنابراین ، تمام نقاشی های روسی با شدت بدیع و زیبایی جذاب خود متمایز می شوند ، که جدا کردن خود از آن بسیار دشوار است.

نقاشی روسی به درستی از هنر جهانی متمایز است. واقعیت این است که تا قرن هفدهم، نقاشی روسی منحصراً با مضامین مذهبی همراه بود. با روی کار آمدن تزار اصلاح طلب، پتر کبیر، اوضاع تغییر کرد. به لطف اصلاحات او، استادان روسی شروع به پرداختن به نقاشی سکولار کردند و نقاشی نمادها به عنوان یک جهت جداگانه جدا شد. قرن هفدهم زمان هنرمندانی مانند سیمون اوشاکوف و جوزف ولادیمیروف است. سپس، در دنیای هنر روسیه، پرتره پدید آمد و به سرعت محبوب شد. در قرن هجدهم، اولین هنرمندانی ظاهر شدند که از پرتره به نقاشی منظره رفتند. ابراز همدردی هنرمندان با پانورامای زمستانی قابل توجه است. قرن هجدهم با ظهور نقاشی روزمره نیز به یادگار مانده است. در قرن نوزدهم، سه جنبش در روسیه محبوبیت یافتند: رمانتیسم، رئالیسم و ​​کلاسیک. مانند گذشته، هنرمندان روسی همچنان به ژانر پرتره روی آوردند. پس از آن بود که پرتره ها و سلف پرتره های O. Kiprensky و V. Tropinin در جهان ظاهر شد. در نیمه دوم قرن نوزدهم، هنرمندان به طور فزاینده ای مردم عادی روسیه را در وضعیت ستمدیده خود به تصویر می کشیدند. رئالیسم به جنبش اصلی نقاشی این دوره تبدیل می شود. پس از آن بود که هنرمندان دوره گرد ظاهر شدند و فقط زندگی واقعی و واقعی را به تصویر می کشیدند. خب، قرن بیستم، البته، آوانگارد است. هنرمندان آن زمان به طور قابل توجهی بر پیروان خود در روسیه و در سراسر جهان تأثیر گذاشتند. نقاشی های آنها به پیشگامان هنر انتزاعی تبدیل شد. نقاشی روسی بسیار بزرگ است دنیای شگفت انگیزهنرمندان با استعدادی که روسیه را با خلاقیت های خود تجلیل کردند